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RENCONTRE AVEC ANNE SICCO

par 

MARCEL MARCEAU

© extrait du dossier de presse « ABYMES »

« Avec ABYMES, Anne Sicco signe un conte étrange et violent qui reflète une vision très personnelle d'un Japon mythique plongé dans la douceur brumeuse d'un paysage de SENKA.

J'ai aimé l’âpreté, la force, la rigueur de ce conte poétique, le lyrisme mystérieux et troublant que dégagent les personnages.

Dans ce mimodrame qu’Anne Sicco dirige avec austérité, concentration et puissance, je joue le rôle d'un être de Terre et de Songe, autoritaire, passionné, vulnérable, s’accrochant de toutes ses forces à l'amour intransigeant qu'il éprouve pour sa fille, qu'il a jadis sauvée de la mort. 

Vies réelles, vies imaginaires, tout semble se dérouler au-delà du visible, hors du temps et de sa réalité. 

Anne Sicco jette son cri silencieux à sa manière. Ce qui fait la force de son écriture, c'est la puissance évocative des images et leur extraordinaire rigueur de construction gestuelle, le lyrisme attaché aux personnages qui révèle le mystère profond de l’être. 

Je suis heureux de participer à cette création et heureux de me trouver aux côtés de ma fille Aurélia, si petite et si sérieuse, et parmi les jeunes acteurs du Théâtre de la Sphère qui ont toute ma confiance. 

En 35 années de carrière c'est la première fois que j'accepte d'être mis en scène et dirigé dans un mimodrame contemporain, c'est dire mon adhésion totale. 

Car il n'y a pas d'évolution dans un art sans recherches constantes. 

Notre art ne peut vivre sans symbole, et sa force poétique plonge ses racines dans le plus profond de nous-mêmes, révélant par le geste l’essence de notre intériorité. 

À travers ce conte fantastique et tragique, l'être humain reste, dans cette déchirure sa déchirure, un mystère troublant. »

 

« ECRITS POUR LA PAROLE »

Femmes in a city » de Léonora Miano

Texte lauréat du Prix Seligmann 2012 .

Prix consacré à la lutte contre le racisme, l’injustice, l’intolérance.

Théâtre - Ecritures d’Aujourd’hui

L’ARCHE est éditeur et agent théâtral du texte représenté

ComédienNEs Lectrices • Alvie BITEMO , Rebecca M’BOUNGOU , Marina AHOUI Collaboration artistique • Anne Sicco Dispositif scénique • Ateliers Vulcain

«Ces femmes noires sur un plateau qui échangent sur leur vécu, leurs expériences, ce n’est pas du communautarisme, mais le meilleur moyen d’amener les femmes européennes à tenter de comprendre l’autre, un autre vécu de femme, à enlever la robe-carcan de la femme noire pour voir LA femme, une femme qu’il convient simplement d’envisager au sens fort du terme et non plus de fantasmer.» LM

EXTRAIT de la pièce

«Parfaitement Je ne veux plus qu’on m’aime Si je ne peux pas me loger travailler me réaliser arriver tout en haut Je ne veux plus qu’on m’aime si je ne suis pas dans les livres d’Histoire dans les livres tout court A la tête des institutions et de tout ce qui a une tête Je m’en fous qu’on me Courtise Qu’on me trouve sensuelle avec ma voix grave ma cambrure ma peau ambrée mes fesses rebondies ma peau d’ébène mon port de tête ma peau mes jolies tresses ma peau et tout le reste Qui n’est pas moi d’ailleurs mais c’est un autre débat (...)»

Léonora Miano, née le 12 mars 1973 à Douala, est une femme de lettres d’expression française. Une grande dame de la littérature.

Pour Léonora Miano, on écrit « en raison d’une certaine tournure d’esprit et parce qu’on y est poussé ».

Elle est l’auteur de six romans édités chez Plon, récompensés par de nombreux prix: Prix Femina, Goncourt des lycéens.

Grand Prix Littéraire d’Afrique noire pour l’ensemble de son oeuvre.

Points de vue, Inspirations, rapprochements, études extraits du cahier dramaturgique de Anne Sicco© Mes notes de travail, brouillons poétiques. extraits

UNE PAROLE PARTAGEE - UN ESPACE DE RENCONTRE ET DE DEBAT 

Créér une qualité d’écoute particulière, dense, aigue, très proche, par un dispositif scénique qui trouve chaque année sa place dans la manifestation des « Chantiers de l’acteurE », et qui tout à la fois convoque et convie. 

 Une grande table ronde en métal, brute, plateau quadrillé, troué, à vif, et dans le même temps ajourée. Elle permet des appuis, des prises de forces. 

 Dispositif 2015 pour « Hôtel Palestine » 

Pour ECRITS POUR LA PAROLE, elle sera avant tout un milieu nutritif, où l’on s’exerce en commun, en atelier. Terreau d’une parole circulante, parole intime, parole de colère et de positionnement, parole de résistance intellectuelle et politique. Egalement, liberté de jeu et de mouvement . 

 Le public, en dispositif quadri-frontal, verra les comédiennes tantôt de face, tantôt de profil, tantôt de dos. 

 Espace transformable par la puissance des histoires et des paroles minuscules, et par les flaques de lumières qui éclairent les visages et les corps
Pas de conférence, pas de protocole, pas de prêt à penser, de vérités moralisantes, juste des paroles et des corps qui confient librement désirs et colères 

 dans notre monde urbain assourdissant et sourd 

 Ainsi la question noire se lèvera dans la simplicité du quotidien de ces femmes qui se pensent avec leurs récits intimes et familiaux, avec lucidité, avec colère, avec beauté. 

En direct: Insertions de déclarations/interviews de Leonora Miano / exemples: 

 « La pensée réac n’est pas en plein essor. Elle tombe le masque. Les Afrodescendants sont résilients. Ils respirent, travaillent à l’émergence d’une France post-raciste. Ce n’est pas seulement une autre pensée qu’il conviendrait de promouvoir, mais des pratiques différentes. L’antiracisme véritable consisterait, pour les membres du groupe dominant, à refuser d’évoluer dans un entre-soi monochrome. » 

 « Je vise à poser la question de la couleur dans un contexte français, mais sans vouloir culpabiliser personne.

Il n'y a pas de bonnes raisons pour qu'on s'intéresse si peu aux Noirs de France.

Mon propos est de porter à la connaissance du plus grand nombre des profils humains méconnus, afin que leurs questionnements soient pris en charge par la collectivité. Il s'agit non pas de fragmenter la France, mais de lui faire, en quelque sorte, la courte échelle, pour qu'elle se hisse à la hauteur de ses idéaux. » LM 

Public et journalistes rejoignent la table ronde pour des échanges post lecture avec les comédiennes 

ANALYSE

 ECRITS POUR LA PAROLE.FEMME IN A CITY.

Le racisme est une idéologie connue depuis la nuit des temps, était profondément enracinée depuis la création de l’homme sur terre. C’est une maladie qui a pénétré dans nos communautés et qui a causé beaucoup des guerres en divisant les peuples. 

 L’apartheid n’affecte pas que la peau, mais il a infecté l’esprit humain.

Le racisme est une philosophie, une conception du vivant, exprimer par les comportements et les croyances qui valorise un groupe d’individu et dévalorise les autres par l’enlèvement de leur droit, dignité, liberté, identité, existence, dépouillés, manipuler et de contrôler afin de profiter de cette arbitraire pour les classés selon des motifs raciaux : couleur de peau, cultures de langue nationale, les croyances, les habitudes et les classe sociales.

Pas un jour ne passe sans que je pense à notre existence, non seulement j’y pense, mais aussi je ressens la faillite de l’humanité, le chaos, le désastre, la haine qui s’installe dans les corps et les cœurs des humains et ce sentiment racine me dépasse car c’est un choix personnel de chaque humain.

Cela se produit lorsque ils sont jeunes, pour d’autre ce moment arrive au cours de cette phase d’apprentissage de leur vie. 

 Ont arrivent ici, dans ce monde en simple nouveau-né(e) capable d’ouverture d’esprit pourtant d’un nombre infini de potentialité, mais on s’attache et on s’influence par la géographie, les croyances religieuse de nos ancêtres, la couleur de notre peau, la forme de nous yeux, les orientations politique de nos parents, notre taille, notre sexe.

C’est plié, les « races supérieures » se distinguent des autres par leur « intelligence », leur capacité à contrôler la nature et ses ressources. Les races dites « inférieures », pour la plupart encore à l’état « sauvage », sont toujours intégrantes de la nature.

Le monde dit « sauvage » s’opposant au monde dit civilisé, pourtant il n’y a pas plus doux que la Nature.

Dans ce cadre, j’ai eu l’occasion le 26 octobre 2016 de connaitre la rage de la Femme noire, une création tranchée qui dérange, dispositif « Chambres d’Echo » dans sa saison automnale à l’Espace Appia un échange et une collaboration artistique précieuse avec l’association Noir&Blanc, les trois comédiennes, Alvie Bitemo, Rebecca M’boungou et Marina Ahoui sont des femmes avec des caractères, cette force de dire stop aux idées reçues.

Le style est extrêmement libre, le propos très dérangeant. Elles décryptent les tabous de la société dans l’histoire de France (code noir de COLBERT) sur les questions raciales et brise le silence sur les clichés qui collent durablement à la peau des femmes en générales.

Sur un plateau, elles incarnent les personnages de l’œuvre « Ecrit pour la parole. Femmes in a city » de Léonora Miano.

La découverte de ces histoires de Femmes opprimées, Comment nous avons pu depuis tout ce temps passer à côté de cette écriture?

 

La parole de Léonora Miano est subtile et profonde. A chaque page, elle nous force à regarder plus en avant telle ou telle problématique, dénonçant les non-sens, les idées reçues et les aprioris, elle nous engage sur la voie de la remise en question. Elle nous fournit tous les outils nécessaires à un recul tant sur les grands courants de l’histoire que sur la constitution de l’identité noire en France.

La lecture de cet ouvrage force l’admiration car son regard est objectif et dénué de passion. Il nous pousse à une réflexion salvatrice dont on ne peut s’y soustraire sans malaise. Alors qui est Léonora Miano ? Léonora Miano, née le 12 mars 1973 à Douala, vient du Cameroun et vit en France depuis 1991, pour entamer des études universitaires. Inscrite en Lettres, Langues et Civilisations étrangères à Valenciennes puis à Nanterre, elle se spécialise en littérature américaine et du Commonwealth. Elle est l’auteur de sept romans, dont L’intérieur de la nuit (Plon, 2005), Contours du jour qui vient (Plon, 2006, Prix Goncourt des Lycéens), Les Aubes écarlates (2009), deux recueils de textes courts, un texte théâtral et La Saison de l’ombre (Grasset, 2013, Prix Femina).

Avec L'Intérieur de la nuit (2005), un premier roman d'une force rare, elle propose un tableau insolite et passionnant de l'Afrique, avec ses codes, ses rites, ses croyances et ses démons. Elle consacre son premier texte pour le théâtre à la présence des femmes noires dans la France d’aujourd’hui. En partant d’une série d’histoires intime, personnelles, cachée voir même tabou, dont on plonge dans l’univers des ces personnages afropéens ont posent des questions existentielles : D’où venons nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? Ces voix, parfois ces cris, on les retrouve dans Femme in a city où elle rapporte les tribulations de femmes noires et françaises en quête de justice, d’égalité et d’amour. 

Un texte court, dense, fiévreux, nerveux est exceptionnel, majeur. Structuré en deux grandes parties intitulées : « In-tranquilles » et « Femme in a city », il se compose de chapitres courts qui ont été conçus pour être dits sur scène. L'auteurE y donne la parole avec un humour corrosif à différentes femmes noires dans une alternance d'instantanés, de petites histoires, de bribes de réalité. Ces femmes parlent des hommes, de sexe, du boulot, de la vie, de la mémoire, de la possibilité de vivre ensemble. La parole est ici donnée à celles qui ne l’ont pas habituellement. Elles parlent pour elles-mêmes, protestent, crient, expliquent, analysent à travers un prisme particulier.

Sur scène, un cercle infini autour des comédiennes qui fait un mélange hétérogène de peau, de sexe, d’âge, de niveau social, d’idéologie, de culture, s’intéressent intensivement à ce qui raconte ses trois femmes pleines d’amour, de colère, de l’acceptation de soi par un mécanisme de défense comme le théâtre, la musique, la danse et l’écriture. 

Elles abordent une sensibilité provocatrice et un calme qui cache la tempête, des thèmes important tel que l’égalité, la conformité, le principe de réalité, la binarité et les projections sur l’image de femme noire, leur combat et leur parcours et leur souffrance et cette solitude qui l’amène à dégager cette énergie cette soif « je crois que je vais tuer…Si je ne m’envois pas un homme » 

 « Ce serait quoi la fraternité si ça ne marchait pas avec l’égalité ».

« Celles qui accouchent de l’à-venir se disent : Afropéennes »

Un travaille sur les non-dits, dramaturgie poétique les corps des ces femmes leurs voies, leurs silences, leurs respirations collectives, nous impose à penser la condition des femmes noires, et à la femme en générale. 

C’est pourquoi l’art de la parole est fondamental. C’est peut-être le plus important de tous les arts. 

La parole c’est la force et le pouvoir de créer nos mots, car les mots sont des idées formulées des idées abstraites ne peuvent pas voir ni entendre, ni sentir, seulement des idées qui sont formulées. 

Qui parmi nous n'a pas été contestée par un certain mot ou groupe de mots? 

Qui parmi nous n'a pas testé la haine, la violence et le chagrin pendant une parole dite à propos des moments critiques? 

Qui parmi nous n'a pas rompu sous le poids du mot téméraire?

Qui parmi nous n'a pas convoqué de nouveau son courage, la confiance et l’amour à travers une parole d'espérance qui pénètre le brouillard d'incertitude?

 Parler et bien parler sont deux choses très différentes. Le langage est le propre de l’homme, mais tout le monde n’en manie pas pour autant toutes les subtilités avec la même facilité.

Dans sa forme vulgaire, la parole peut causer des torts, créer des conflits, être source de malentendues, bien maniée, elle s’affirme à l’inverse comme le plus puissant des outils au service d’une idée ou d’un projet.

Les mots se déplacent dans le monde, soulève des Nations, pour enflammer les gens avec l'ambition et l'enthousiasme ou la douleur et la tristesse. Certaines personnes sont juste, les mots ont été dit et à L'homme sage, il s’intéresse et prend soin de ces mots. 

Et dans cette création on écoute les monologues qui ont la saveur des mots, on comprend leur message.

La danse et la musique nous a transportée sur le continent Africain, Délaissant une vision du corps et du mouvement, les couleurs des costumes, la richesse culturelle, et la joie de vivre même dans le désespoir, elles gardent le sourire et l’espoir. 

Interpellé dans le climat actuel, l’individualité des populations, d’outils de compréhension de soimême. Si le rêve est conçu comme un exutoire afin d’échapper à l’acceptation de la condition noire, il ne peut continuer à se traduire dans ces termes. Etre noir est de l’ordre de la mémoire et non de la catégorie biologique naturelle. Ce raisonnement nous propose une appréhension originale et tellement juste de cette problématique.

Racistes sont des gens qui croient que les caractéristiques innées héritées de déterminer le comportement humain dans un sens biologique. La doctrine du racisme affirme que le sang est le facteur déterminant de l'identité nationale et ethnique. 

Être une femme noire, c’est être dans la rue, être un objet de convoitise sexuelle et au bureau victime de harcèlement, plus encore que les autres femmes, et sans leur solidarité. C’est vivre avec un homme noir qui vous comparera sans cesse à sa mère et qui sera moins bien que vous, sinon c’est une blanche qu’il choisira. C’est être une pauvre vieille Antillaise droite et digne qui cherche, dans le froid de Paris, les endroits où c’est le moins chère pour emplir son cabas. Être une femme noire en France, c’est n’avoir pour modèle que des incarnations des stéréotypes de la femme noire, de la Vénus à Joséphine Baker dansant avec ses bananes, seul moyen d’arriver en haut de l’affiche ; c’est devoir rappeler à sa fille, qui ne peut pas s’identifier à une blanche, qu’il n’y a qu’une humanité.

Le racisme, la haine, les préjugés et les jugements dans notre monde suggèrent que nous avons encore plusieurs kilomètres à parcourir avant d’atteindre un monde de paix. 

Cette création, évoque l'immigration, le machisme, la vie à Paris, avec force et humour.

Leur conclusion c’est un appel. « La France ne sera pas une grande idée. Rien qu’une triste réalité tant qu’elle dira : Noire ou Française. […] Le mieux c’est la fusion : Française noire Le mieux c’est l’addition : Française et Noire… »

Car l’Afrique est le berceau de l’humanité !

extrait

« Tout comme elle » de Louise Dupré 

France 2007 Éditions MAINS LIBRES Québec Amérique 

Cette pièce a reçu le prix de la critique 2005-2006 de l’Association québécoise des critiques de théâtre 

Une écriture soliste interprétée par Aurélia Marceau

Mise en scène . Anne Sicco

Scénographie. création lumière et projections . François Klère

La généalogie infinie des mères et des filles... 

«Si les hommes ne sont pas intéressés par le propos de cette pièce, je crois qu’on a un sérieux pro- blème, puisqu’on parle de la moitié de l’humanité.» Brigitte Haentjens

« On avait beau être mignonne, douce, intelligente, disciplinée, passionnée, sereine, grave, rieuse, responsable, savante, on avait beau rapporter ses bulletins de l’école comme un chiot son bâton, on faisait tout pour voir s’illuminer les lèvres de sa mère mais aussitôt elle se rembrunissait. L’amour ne se force pas. Il aurait mieux valu être moins parfaite que sa mère, mais quand on l’a compris, c’était déjà trop tard.» 

(...)
«J’aurais voulu, de toute mes forces voulu, être pour ma fille une autre mère que ma mère. Ne pas la soumettre. Ne pas l’étouffer. Surtout, ne pas l’étouffer.
Rester là, à la frontière de sa vie, me faire discrète, petite oiselle, ombre rose vogant dans un ciel d’une infinie bonté. 

Mais je me suis mirée dans ma bonté sans reconnaître mon visage.» 

Poète, romancière, dramaturge et essayiste, née à Sherbrooke, LOUISE DUPRÉ étudie à l’Université de Sherbrooke puis à l’Université de Montréal, où elle obtient, en 1987, un doctorat en lettres. De 1981 à 1984, elle fait partie du collectif des Éditions du Remue-Ménage, où elle est responsable du comité de lecture. En 1988, elle entre au comité de rédaction de la revue Voix et Images/ Littérature québécoise, dont elle est directrice de 1995 à 1998. Elle participe à de nombreuses rencontres, tables rondes, collo- ques et émissions radiophoniques sur l’écriture et la littérature au féminin. 

Elle est professeure de littérature à l’Université du Québec à Montréal et directrice de la Rencontre québécoise internationale des écrivains, tenue annuellement sous l’égide de l’Académie des lettres du Québec. Auteure d’une quinzaine de titres, Louise Dupré a obtenu plusieurs prix et distinctions. Louise Dupré est membre de l’Union des écrivaines et des écrivains québécois. 

« Hôtel Palestine » de Falk Richter Traduction Anne Monfort

 

 Théâtre allemand - Ecritures d’Aujourd’hui 

 L’ARCHE est éditeur et agent théâtral du texte représenté 

Mise en voix et en théâtralité Anne Sicco
Avec

 Jonathan Viennet. Aurélia Marceau. Olivier Copin. Christophe Seval. Ulysse Dyèvre. Fabienne Muet.

Scénographie. Création lumières: François Klère

 Construction métallique: Ateliers Vulcain

Il y a tout juste dix ans, la guerre faisait rage en Irak et le bombardement par les troupes américaines d’un hôtel abritant des journalistes étrangers, le 8 avril 2003, ajoutait une ligne à la liste des bavures de la coalition.

De ce triste épisode, l’auteur allemand Falk Richter a tiré en 2004 la matière de cette pièce; un texte d’une actualité brûlante à l’époque, dénonçant le double langage de la diplomatie américaine et la manipulation des médias. Une pièce qui venait par ailleurs s’inscrire dans un projet plus vaste intitulé «Das System», entreprise théâtrale de longue haleine visant à interroger les dérives de notre monde néolibéral. 

Une pièce « dissidente » qui dénonce le politiquement correct, la novlangue, la censure et l’autocensure, la propagande et l’intoxication de masse, les groupes de pression et les cercles d’influence, les mensonges et les manipulations. Un texte brillant, qui parvient à éviter l’écueil du manichéisme en donnant sa chance à la parole de l’adversaire. Au spectateur de se faire une idée face aux deux logiques qui s’affrontent. 

Falk Richter, la trentaine, est un auteur et metteur en scène allemand qui fait partie de cette génération d’auteurs d’après 89, d’après la chute du mur. Une génération imprégnée des échecs et des compromissions de la génération précédente et qui, à travers une écriture subjective tente de décortiquer les données d’un monde où le vrai est de plus en plus difficile à distinguer du faux. Il travaille régulièrement à la Schaubühne de Berlin, à la Schauspielhaus de Zürick, de Düsseldorf et de Hambourg. Certaines de ses pièces sont traduites dans plus de 15 langues. 

Les représentations sont suivies d’un débat. La presse, les artistes, le public sont conviés à débattre librement de la pièce et de «l’indépendance» de l’information aujourd’hui. 

Points de vue, Inspirations, rapprochements, études 

 extraits du cahier dramaturgique de Anne Sicco©

 Mes notes de travail, brouillons poétiques. extraits 

Point de vue radical: rétablir le primat du récit

-Tirer parti de la « défaillance » volontaire du texte

-Elargir les zones de vide, créér des blocs de silence.

-Pas de « commentaires » sous forme d’images, de projections, de videos; rien qu’un un face à face avec nous-mêmes, rendus à notre responsabilité .

-Public et journalistes rejoignent la table ronde pour des échanges post lecture

« Ce n’est pas par les excès de la représentation que la tragédie doit exciter terreur et passion, 

 mais par la seule force de la fable » Jean-François Sarasin, Discours de la tragédieE. Champion, 1926

Blocs de paroles et blocs de silences : sortir de la dictature de l’urgence

 L’information ne peut pas être une superposition de déclarations, de brèves, dont l’«emmêlement» est un jeu vide ne menant nulle part. Pour que la communication réussisse, il faut que les locuteurs acceptent de gérer, d’échanger, de partager les blancs du discours. Il faut rétablir la présence de silences constitutifs de toute parole. Face au déluge d’information télévisuelles, fausses ou vraies, à l’inflation des mots et des formules, il faut impérativement redonner une tension au langage, à l’écoute, vivifier l’oreille, tonifier la vue.

Il faut redonner du sens au temps, retrouver la perspective du temps long, sortir enfin de la dictature de l’urgence.

Bloc de l’Ouest. Otan. Hôtel.

Immense table ronde blanche. 6 sièges . 

 Parois en béton gris . Moquette grise.

Un bloc d’ensemble qui simule une parfaite homogénéité

Pas d’images. Pas de projections. 

 Seuls des blocs de paroles et des blocs de silence taillés dans l’espace. 

 Fractures permettant seule l’apparition d’un état des lieux pour le spectateur/auditeur rendu attentif et actif

 Les blocs de silence comme portes-voix, et aussi comme repos, relai pour la pensée, vecteur d’images. 

Avec le vide du son et le « silence » des formes, le spectateur se retrouve dans un univers où les choses se compliquent pour lui, puisqu’il va devoir se prendre en charge et réfléchir à ce qu’il entend; le confronter à ce qu’il a lui-même constitué comme éléments/matériaux lui permettant d’appréhender le monde et les évènements.

J’écoute, j’entends; qu’est-ce que je sais de ce qui est dit, suggéré, abordé…?

 Qu’est-ce que je pense? 

Nous ne savons plus faire les liens entre les évènements. Nous avons laissé faire

 Reste à savoir si nous voulons vraiment savoir …. 

 C’est une bataille au corps à corps: forces de vie contre force de mort

 Préambule pour une entrée en tragédie….

« Je pense que la tâche du prochain siècle, en face de la plus terrible menace qu'ait connue l'humanité, 

 va être d'y réintégrer les dieux » A. Malraux, « L'homme et le fantôme », dans L'Express du 21 mai 1955.

« Les grands dieux du ciel et de l'enfer pleuraient. Ils se couvrirent la bouche. Pendant six jours et six nuits les vents soufflèrent, le torrent, la tempête et l'inondation accablèrent le monde, la tempête et l'inondation firent rage ensemble comme des armées en bataille. Quand l'aube du septième jour se leva, l'orage s'apaisa, la mer devint calme, l'inondation était apaisée; je regardai la face du monde, et c'était le silence, toute l'humanité était changée en argile. » ( l’épopée de Gilgamesh)

Rappel:

Charte des Nations unies, ratifiée le 26 juin 1945

 Nous, peuples des Nations Unies,

 résolus à préserver les générations futures du fléau de la guerre qui deux fois en l’espace d’une vie humaine a infligé à l’humanité d’indicibles souffrances,

 à proclamer à nouveau notre foi dans les droits fondamentaux de l’homme, dans la dignité et la valeur de la personne humaine, dans l’égalité de droits des hommes et des femmes, ainsi que des nations, grandes et petites,

 à créer les conditions nécessaires au maintien de la justice et du respect des obligations nées des traités et autres sources du droit international,

 à favoriser le progrès social et instaurer de meilleures conditions de vie dans une liberté plus grande, et, à ces fins,

 à pratiquer la tolérance, à vivre en paix l’un avec l’autre dans un esprit de bon voisinage,

 à unir nos forces pour maintenir la paix et la sécurité internationales,

 à accepter des principes et instituer des méthodes garantissant qu’il ne sera pas fait usage de la force des armes, sauf dans l’intérêt commun,

 à recourir aux institutions internationales pour favoriser le progrès économique et social de tous les peuples,

 avons décidé d’associer nos efforts pour réaliser ces desseins.

En conséquence, nos gouvernements respectifs, par l’intermédiaire de leurs représentants, réunis en la ville de San Francisco, et munis de pleins pouvoirs reconnus en bonne et due forme, ont adopté la présente Charte des Nations Unies et établissent par les présentes une organisation internationale qui prendra le nom de Nations Unies.

Intertextes: la guerre, l’information, les médias, la propagande

 Les médias « globaux » et CNN

 Jusqu’en 1989, les médias étaient nationaux . La propagande ne pouvait donc s’adresser qu’à son propre camp. On pouvait lancer des tracts par avion, ou utiliser des émissions de radio en ondes courtes, mais on était perçu comme un « locuteur ennemi ». En 1989, une télévision local US s’est soudainement transformée en télévision globale grâce aux satellites. Son changement de statut (elle n’était plus américaine ) garantissait sa « neutralité » dans les conflits et s’est affirmée comme un média « d’information en continu »; ce « direct de terrain » garantissait aux masses l’impossibilité d’avoir recours aux manipulations. 

 Or, la rédaction de CNN est de manière définitive depuis 1998, sous la coupe d’une unité militaire installée dans ses locaux, la « United States Army’s Psychological Operation Unit ». Un nombre impressionnant de fausses nouvelles sont régulièrement lancées par ces médias « globaux » , donnant l’apparence d’une vérité partagée par tous, ce qui fait la force de l’intoxication. D’où la concurrence actuelle entre les grandes puissances pour disposer de chaînes globales d’information en continu. Les formules telles que le direct empêche les manipulations ou les journalistes sont là pour décrire ce qu’ils voient sur place, qui légitiment et consacrent l’information en continu sont la négation du journalisme. Les journalistes doivent recouper, vérifier, conceptualiser, analyser, interpréter, faute de quoi ils ne servent à rien, et risquent de se transformer en agents de propagande.

La guerre de la 4ème génération: « Une paix belliqueuse » un pas de plus franchi depuis 1992

 Les USA et l’Otan n’ont cessé d’être en guerre quelque part dans le monde et une catégorie de journalistes s’est constituée pour couvrir ces évènements et accompagner combattants et délégations; le Pentagone a intégré des médias dans sa salle d’Etat Major. Le recours à la technique de fausses videos d’actualité pour casser les résistances s’est développée à vitesse grand V; la manipulation d’images, le blocage, calage ou re-routage de chaînes télévisées intoxiquent l’information. Journalistes, reporters ou experts postent chaque jour des images grossièrement fausses qui se propagent sur le Net à la vitesse de la lumière. 

 C’est bien plus tard qu’on fait paraître un court entrefilet pour évoquer la « supercherie ». 

 Vérités et mensonges . 

 La guerre de la 4ème génération est engagée; c’est celle qu’on ne livre pas mais qu’on organise dans des pays lointains, avec de vraies fausses insurrections, et qui s’apparente à un désordre général; avec de vrais faux objectifs altruistes visant à aider des états ou des populations faibles. Protéger à tous prix, organiser quelqu’en soit le prix, les intérêts stratégiques d’un système mondial corrompu .

RSF (reporters sans frontières) sur la question de l’Hôtel Palestine ?

 « Dans un rapport du 15 janvier 2004, RSF a exonéré de toute implication les militaires étasuniens responsables de l’assassinat du journaliste espagnol José Couso et de son collègue ukrainien Taras Protsyuk dans l’hôtel Palestine à Bagdad. 

 Selon la famille Couso: 

 « les conclusions de ce rapport exonèrent les auteurs matériels et reconnus du tir sur l’Hôtel Palestine en se basant sur la douteuse impartialité des personnes impliquées, et sur le propre témoignage des auteurs et responsables du tir, rejetant cette responsabilité sur des personnes non identifiées. La réalisation du rapport a été signée par un journaliste, Jean-Paul Mari, qui entretient des relations notoires avec le colonel Philip de Camp, militaire qui a reconnu son implication dans l’attaque et la mort des journalistes de l’Hôtel Palestine, et de plus, son rapport s’appuie sur les témoignages de trois journalistes très proches des forces nord-américaines, tous étasuniens, dont l’un d’eux – Chris Tomlinson – a été membre des services de renseignements de l’armée des Etats-Unis durant plus de sept ans. Aucun des journalistes espagnols qui se trouvaient dans l’Hôtel n’a été consulté pour l’élaboration de ce document ». 

 Le 16 janvier 2007, le juge madrilène Santiago Pedraz a émis un mandat d’arrêt international à l’encontre du sergent Shawn Gibson, du capitaine Philip Wolford et du lieutenant-colonel Philip de Camp, responsables des assassinats de Couso et Protsyuk malheureusement absous par RSF. Le quotidien français Libération, pourtant fidèle soutien de l’organisation, note que RSF reste silencieuse sur les dérives des médias occidentaux »

L’instruction et l’ignorance: nous sommes entrés dans une ère trompeuse

 Aujourd’hui les gens sont de façon générale plus instruits, mais l’ignorance est grande qui concerne les relations de pouvoir et ce qui se passe dans ce domaine au niveau mondial. Nous sommes entrés dans une ère trompeuse de l’histoire où beaucoup de gens à travers le monde sentent/ressentent/pensent qu’ils ne peuvent rien faire d’autre que d’être des spectateurEs impuissantEs, réduits à n’être que des particules, des rouages, des extensions d’une immense machine invisible sur laquelle ils n’ont aucun contrôle.

La plupart des gens regardent les nouvelles et la télévision passivement et essaient de se distraire de la réalité, d’engourdir leur conscience, de vivre dans un état de bonheur factice qui leur permet d’oublier les misères du monde. Ce faisant, ils deviennent étrangers à eux-mêmes, à leurs capacités intellectuelles, à leurs talents, à leurs singularités. Le pire est qu’ils sont de plus en plus passifs vis à vis des décisions de leurs gouvernements et de leurs dirigeants. Un des obstacles majeurs à l’action est de ne pas s’informer « activement »

« Les tyrans ne sont grands que parce que nous sommes à genoux » La Boétie

Les lois de la propagande sont toujours les mêmes: les guerres « justes »

 Par la répétition incessante, un mensonge grossier devient une évidence incontestée.

Il ne suffit pas de convaincre les personnes-cibles avec un mensonge, il faut qu’elles défendent ce mensonge, qu’elles le professent au moins une fois. Difficile alors de revenir en arrière pour dénoncer une manipulation. De facto, des professionnels de l’information, du journalisme ( même ceux qui pensent être honnêtes) travaillent à répandre le mensonge via de vulgaires copies.

Apport conceptuel: La Boétie / Contr’un ou Discours sur la servitude volontaire (1574)

 Le Contr'un n'est publié qu'après sa mort, en 1574 dans un recueil collectif d'inspiration protestante, Le réveil-matin des Français; texte réimprimé à chaque période de lutte pour la démocratie (en 1789, en 1835, en 1857 contre Napoléon III)

« Il ne peut exister de tyrannie sans assentiment du peuple. De ce point de vue, la servitude est donc par essence volontaire. Le tyran est en effet toujours seul face à des millions d'hommes et il suffirait que ces millions d'hommes cessent d'obéir pour que la tyrannie disparaisse. Le rapport de force est toujours en faveur des gouvernés. La nature nous soumet naturellement à nos parents et à la raison mais ne nous fait esclaves de personne. Nous sommes donc esclaves parce que nous le voulons bien. Mais vivre libre, c'est être heureux. La servitude volontaire apparaît donc comme une réalité paradoxale, un problème qu'il s'agit de résoudre. 

 Pourquoi donc les peuples acceptent-ils de se soumettre à un tyran ?

 La première raison réside dans l'habitude. L'homme qui connaît la liberté n'y renonce que contraint et forcé. Mais on s'habitue à la servitude et ceux qui n'ont jamais connu la liberté « servent sans regret et font volontairement ce que leurs pères n'auraient fait que par contrainte.

 La deuxième raison est que les tyrans affaiblissent leur peuple. Ils le feront par exemple en leur donnant des jeux, des spectacles. Le tyran allèche ses esclaves pour endormir les sujets dans la servitude. Le tyran accorde des largesses à son peuple sans que celui-ci se rende compte que c'est avec l'argent même soutiré à ses sujets que ces divertissements sont financés.

Certains tyrans, avant de commettre leurs crimes, font de beaux discours sur le bien général et la nécessité de l'ordre public. D'autres utilisent l'artifice de la religion pour susciter la crainte du sacrilège, utilisant la tendance de l'ignorant à la superstition.

Enfin, la dernière raison qui permet la tyrannie est qu'une partie de la population se met à son service par cupidité et désir d'honneurs. Certains hommes flattent leur maître espérant ses faveurs, sans voir que la disgrâce les guette nécessairement, devenus complices du pouvoir. Ainsi se forme la pyramide sociale qui permet au tyran d' asservir les sujets, les uns par le moyen des autres .La résistance et l'usage de la raison sont donc les moyens de reconquérir la liberté. Soyez résolus de ne servir plus, et vous voilà libres …. »

POSTFACE à la tragédie….

Du deluge de bombes…

 « Il dit aux dieux assemblés : Le vacarme de l'humanité est intolérable, et la confusion est telle qu'on ne peut plus dormir ! Ainsi les dieux furent-ils d'accord pour exterminer l’humanité. » Epopée de Gilgamesh

… a la nouvelle arche: Eugénisme soft? 

 En parallèle aux logiques de guerre, une nouvelle révolution est en train de se dérouler dans les laboratoires, une révolution sans bruit, sans mort mais qui est lourde de signification pour l’avenir de l’humanité. Les scientifiques parlent de supprimer les causes de la mort en « réparant » l’homme, mieux encore en « augmentant » ses capacités au-delà de ses capacités naturelles. Cette science considère certains aspects de la condition humaine tels que le handicap, la souffrance, la maladie, le vieillissement ou la mort subie comme inutiles et indésirables. Le cerveau n’y échappe pas. Les nouvelles techniques de la « neuro-imagerie » ouvrent des champs d’étude infinis et posent à l’éthique des questions inédites.. 

 La différence est fine entre un eugénisme négatif et la sélection positive pour corriger ou éviter une anomalie génétique. Le brevetage du vivant est une réalité.

< Moi, la famille, le monde... >»

"Cendres et Lampions” de Noëlle Renaude (auteure française)

Récits de naissance pour 45 personnages.

Un rendez-vous ironique et mystérieux avec les générations défuntes, quelque part dans les entrepôts du temps. Ici, les mots d’une subtile simplicité nous font pressentir la brièveté d’une vie d'homme, comme un livre qui échapperait des mains au moment de tourner la page.

Troublante comédie « à la vie à la mort > sur un air d’accordéon.

Éditions THÉÂTRALES. « Courtes Pièces »

“Bon Saint-Cloud ». pères, mères, enfants, chiens” de Noëlle Renaude

L'auteure épingle les personnages d'une même famille sur une toile virtuelle et nous invite à les voir réagir: biographies compressées, imbriquées, dialogues superposés. Petits corps dans le vide soumis à un déplacement perpétuel.

Une famille démontable comme un jeu. Une écriture affolée.

Publications L'avant-scène théâtre - La Comédie-Française - “La famille”

" Morceaux choisis” de Carole Fréchette (auteure québécoises)

Une jeune femme décalée vend au plus offrant les morceaux choisis de son corps, certaines émotions et des souvenirs de son passé : pathétique mise aux enchères pour une clientèle en mal de corporéité et de substance poétique.

Une pièce grinçante d'une troublante actualité.

" Route 1” de Carole Fréchette

Sur la Route 1, cinq jeunes gens et filles marchent. Qui sont—ils ? Où sont-ils ? Sur la route 1, mais laquelle ? Une pièce inspirée d'une photo de guerre, puissante, délicate.

Éditions ACTES SUD PAPIER « Serial Killer et autres pièces courtes »

Une coproduction Chantiers de l'acteur. L'Usine/Opéra Éclaté . Ville de Muret

«Les Diamants noirs de Ghelderode»

Mise en scène . Dramaturgie Anne Sicco

Deux courts chefs-d’oeuvre écrits dans une langue baroque, étrange, excentrique, faite de flamand, de bruxellois, de jargons, d’archaïsmes colorés et d’entrelacs d’une délicatesse extrême. Deux pièces écrites pour des corps-marionnettes, des corps poupées agités par un au-delà défaillant, capricieux, infantiles, éperdus, en recherche d’amour, de désir et de révélation.

Distribution:

Le roi/le bouffon : Aurélia Marceau Folial/le roi : Olivier Copin Le moine : Christophe Seval / La mariée, la poupée: Camille Marceau Les vieillardEs : Ulysse Dyèvre, Olivier Copin, Camille Marceau Le guetteur : Christophe Seval

Conception scénographique : François Klère Lumières : Eric Laborde Paysage sonore : Frédéric Caray Grands pantins articulés : Camille Marceau

MICHEL DE GHELDERODE

Belge d’origine flamande, né à Ixelles le 3 avril 1898, Michel de Ghelderode, pseudonyme d’Adémar Adolphe Louis Martens, est l’un des plus grands auteurs dramatiques de langue française, dont les œuvres se jouent dans le monde entier.

Auteur prolifique, également conteur, chroniqueur et épistolier, il a écrit plus de soixante pièces de théâtre, une centaine de contes, de nombreux articles sur l’art et le folklore. Il est également auteur d’une impressionnante correspondance de plus de 20 000 lettres.

Son théâtre complet est édité chez Gallimard.

Pressenti pour le Prix Nobel, il meurt à Schaerbeek le 1er avril 1962.

Il est enterré au cimetière de Laeken.

«Escurial» ou la tentation de la beauté. drame en 1 acte écrit 1927 Un roi rendu fou par le glas de l’Église, enfermé avec son bouffon dans son palais décrépit, attend la mort d’une

reine agonisante. Par jeu, par défi ou par pure cruauté, le roi impose au bouffon un jeu étrange : pour un temps, ils inverseront leurs attributs et leurs fonctions. Et cette crise de l’identité permettra soit l’amour, soit le crime...

«Le cavalier bizarre». pochade en 1 acte écrite en 1924.

Dans un hospice fantastique et désolé, quelques vieillardes et vieillards imaginent de joyeux subterfuges et de

grossiers mensonges pour échapper au cavalier de la mort et s’adonner encore un peu aux plaisirs truculents de la chair et du verbiage. Et tandis que vieillards, pantins et masques se réjouissent de rester en vie, la mort œuvre un peu plus loin, au crépuscule, juste au coin de la rue..

PRODUCTEUR DÉLÉGUÉ : L’Oeil du Silence COPRODUCTEURs : Scène Conventionnée pour le Théâtre et le Théâtre Musical Figeac - St Céré, Le Théâtre d’Aurillac-scène conventionnée, scène régionale d’Auvergne et le Théâtre de Cahors.

AVEC LE SOUTIEN du Conseil Régional Midi-Pyrénées, du Conseil Général du Lot et de l’Adda.

Et la participation de la Communauté de Communes de la Vallée du Lot et du Vignoble.

TEXTE 2

« Les diamants noirs de Ghelderode » Théâtre belge 

 « Escurial »

 « Le cavalier bizarre »

Mise en scène. dramaturgie des corps . Anne Sicco

Distribution « Escurial »

 Aurélia Marceau, le roi. le bouffon

 Olivier Copin, le bouffon. le roi

 Christophe Seval, le prêtre

 Camille Marceau, la reine fantôme

Distribution « Le cavalier bizarre» 

 Christophe Seval, Ulysse Dyèvre, Olivier Copin, les vieillards

 Camille Marceau, la femme de chiffon

Conception scénographique. François Klère

 Création lumière. Jean-Pierre Rousselières

 Costumes. Maquillages. Anne Sicco

Réalisation des structure métalliques. Ateliers Vulcain

Avec le soutien du Conseil Régional Midi-Pyrénées et du Conseil Général du Lot 

 dans le cadre de l’Aide à la Création Dramatique

LA PIÈCE 

 Escurial est un drame en un acte écrit par Michel de Ghelderode en1927 et créé le 12 janvier 1929. 

 Argument 

 Un roi fou, enfermé avec son bouffon dans son palais décrépit, attend la mort d'une reine agonisante. Par jeu, par défi ou par pure cruauté, le roi impose au bouffon un jeu étrange : pour un temps, ils inverseront leurs attributs et leurs fonctions. Bon gré, mal gré, le bouffon s'exécute, mais il se prend au jeu et, au moment de restituer au roi son sceptre et sa couronne, il les garde et tente de conserver le pouvoir. Le roi le fait alors mettre à mort par son bourreau. 

 Escurial est un tableau.

Escurial, est né de « l’impression produite par deux toiles du Greco et de Velasquez.

Les peintres sont les maîtres véritables de Ghelderode qui, comme Breughel, Bosch, Ensor, et Goya, construit une Flandre de tréteaux pour son théâtre de parvis que trouve grossier l'esprit français, effarouché à l'idée que l'homme ait une odeur, c'est-à-dire un corps, c'est-à-dire un être ridicule, vivant, corrompu, joué par la mort qui le possède. 

 "J'ajoute au langage parlé un autre langage et j' essaie de rendre sa vieille efficacité magique son efficacité envoutante intégrale au langage de la parole dont on a oublié les mystérieuses possibilités" (A. Artaud) 

 JOUER GHELDERODE 

 « Jouer Ghelderode n’est pas un cadeau, c’est une grâce accordée en abondance, foisonnante, ruisselante, débordante et généreuse. Jouer Ghelderode, c’est entrer dans le plus beau de l’être humain, dans ce qu’il a de plus laid, de plus noble, de plus traître, de plus plat, de plus exalté, de plus fin et de plus grossier, de plus tendre et de plus violent. C’est pénétrer, à coup de hache, dans la solitude de nos fissures, de nos blessures d’hommes et de femmes et y trouver l’esprit, l’âme, et le cœur ». Stephen Shank, metteur en scène. 

 "Tout écrivain qui ne cherche pas a séduire est cruel," Michel de Ghelderode 

 MICHEL de GHELDERODE : QUELQUES REPÈRES 

 Michel de Ghelderode, de son vrai nom Adémar Martens, naît à Ixelles le 3 avril 1898 d’un père petit fonctionnaire aux Archives générales, auquel il a toujours dit devoir sa passion pour l’ancien. De 1906 à 1914, il fait des études à l’Institut Saint- Louis à Bruxelles ; études médiocres interrompues à seize ans pour raison de santé. Il s’intéresse à la musique (début d’études au Conservatoire Royal de Musique en 1915 et 1916), puis fréquente très tôt les milieux littéraires, collabore à divers journaux et écrit de nombreux contes et poèmes. En 1918, il publie un premier texte signé du pseudonyme de Michel de Ghelderode ; représentation de sa première pièce : " La Mort regarde à la Fenêtre ". De 1919 à 1921, il écrit " Heilige Antonius ", roman burlesque dans lequel il approfondit, mais toujours en français, son identité flamande. Il connaît alors de sérieux problèmes de santé. En 1923, il entre à l’administration communale de Schaerbeek et l’année suivante il épouse Jeanne-Françoise Gérard. De 1922 à 1924, il publie des récits et des nouvelles : " Histoire comique de Keizer Karel ", " La Halte catholique " et " L’Homme sous Uniforme ". En 1925 : " Le Mystère de la Passion ", reconstitué d’après le spectacle de marionnettes bruxelloises ; c’est la première de ses pièces pour marionnettes. 

 De 1926 à 1929, il écrit " La Mort du Docteur Faustus " (tragédie pour le music- hall), " Images de la Vie de Saint François d’Assise " (première collaboration avec le Vlaamsche Volkstoneel -Théâtre populaire flamand-, troupe catholique itinérante) (ndlr : cette pièce sera montée pour la première fois en français à Villers-la-Ville en 1998 !), " Escurial " et " Barabbas ". C’est dans les années trente qu’il est le plus fécond et qu’il écrit : " Sire Hallewyn " (drame tiré d’une vieille ballade flamande), " La Balade du Grand Macabre ", " Mademoiselle Jaïre " (mystère en quatre tableaux qui sera créé en 1949), " Hop Signor ! ", " Sortie de l’Acteur ", " La Farce des Ténébreux ", " Magie Rouge ", " Fastes d’Enfer ". Il fait ses adieux officiels au théâtre dès 1939 et redevient conteur. En 1941, il publie " Sortilèges ". Dès 1943, son état de santé s’altère considérablement. En 1946, il est révoqué de ses fonctions de commis par le Conseil communal de Schaerbeek, puis se fait pensionner pour cause de maladie. De 1947 à 1949, premières grandes créations parisiennes jusqu’à la querelle de " Fastes d’Enfer " au Théâtre Marigny de Jean- Louis Barrault. De 1950 à 1953, années de " Ghelderodite aigüe " à Paris, favorisées par une émission radiophonique enregistrée en 1951 et parue sous le titre " Les Entretiens d’Ostende ". En Belgique, création de " Marie la Misérable ". 

 Avant sa mort, il a le temps de préparer cinq des sept volumes de son théâtre complet prévu chez Gallimard et d’assister au début de son succès mondial. Le 1er avril 1962, Ghelderode meurt à Schaerbeek, s’étant plaint de l’oubli de ses compatriotes alors que sa renommée internationale et le nombre de représentations de ses pièces continuent de grandir. 

 

 LE THEATRE DE GHELDERODE tient à sa concentration. 

 Ghelderode n'a rien lâché du théâtre dont la puissance est de porter à la fois ce qu'il expose, à la fois le rappel du fait que l'assistance est entrée dans un jeu sacré pour y sentir se lever des forces incomparablement plus intenses que ce à quoi les mots prétendent. Son théâtre n'est pas la réalité représentée, il est le théâtre représenté. C'est, par avance, la main magique de Tadeusz Kantor, ajustant les attitudes de ses acteurs, assistant attentif, muet, intensément là. 

 Le théâtre de Ghelderode tire toutes les conséquences d'une vision carnavalesque du monde : la société nait de la rencontre des masques, ceux-ci ne renvoient qu'à des instincts élémentaires qui, exacerbés, communiquent leur démesure au langage. Ghelderode est un père de cet art du masque et de la marionnette dont la puissance de commotion souffle le verbiage qui nous encombre depuis que la psychologie s'est emparée de l'horizon. Ghelderode raye la psychologie. Ses textes sont écrits pour des ventres, pour des corps agités par en – dessous , par un au-delà défaillant, capricieux, infantile, chaque personnage d'une consistance collective, un carnaval. 

 « Étonnante cohue de bouffons, de bourreaux, de rois dégénérés, de moines suspects, de femmes en fleur accouplées à des vieillards luxurieux, de sorciers, de possédés, d'extatiques, de délirants » (S. Lilar) . C'est le théâtre des forces profondes que les phrases ne savent pas monter, qui doit inventer sa langue dans la brutalité des départs, des naissances, le théâtre scandaleux des Maîtres fous de Jean Rouch, dont le scandale n'est que l'effet secondaire de la liberté prise et de la vérité exprimée. 

 Ainsi, le personnage de théâtre est pour Ghelderode une figure prise dans une série de marionnettes, de poupées, dont on peut jouer selon les sujets des différents spectacles. 

 Le théâtre de la cruauté 

 Extrait dʼun interview de Ghelderode : « Question. Etiez-vous au courant des théories dʼAntonin Artaud sur le théâtre de la cruauté et de ses recherches dans cette direction quand vous avez créé vos propres œuvres ? Réponse. Non. Je nʼai connu Artaud quʼaprès la guerre, après avoir déjà écrit mes grandes pièces. Pourtant il existait des idées qui traînaient dans lʼair bien avant Artaud...Je nʼai jamais été séduit par les théories, ni parlé du théâtre, je lʼai écrit » 

 (Les Entretiens dʼOstende. LʼArche, Paris, 1956) 

 « La cruauté, cʼest avant tout la réalité, une image précise et juste. Tenez, un exemple : Rembrandt est cruel quand il représente la chair. Goya quand il peint les rois. Goya ne mentait pas et était cruel. Enfin, Brueghel, qui peint des figures de paysans très réels sur un fond de paysages parfaitement fantastiques, cette disparité est cruelle ». 

 On ne doit pas soupçonner Ghelderode dʼinutiles penchants à la cruauté, et lʼécrivain lui-même a répondu à des objections de ce genre : « La vocation de tout théâtre, y compris le mien, nʼest pas de consoler ou dʼattrister. Le théâtre médiocre nʼest capable que de divertir, mais le vrai élève le spectateur et lʼarrache à la terre. La morale ici nʼa rien à faire ». 

 Peinture exacte, écrivait-il encore, sans mensonge.

Offense sans détour, agression directe, l' oeuvre cruelle ne veut pas que réveiller, elle souhaite aussi révéler: c'est-à-dire dénoncer la société, montrer le monde dans son insupportable vérité ; dire la révolte de l'homme contre l'absurdité de sa situation:

"Vous m' avez arraché à l' ignorance de mon humaine condition; vous me l'avez révélée! ... " dit l'acteur au dramaturge (Sortie de !'acteur, Th., Il l , 233). 

 Réveil, révélation, révolution: l'oeuvre « cruelle » change la société. 

Poésie et Théâtre d’objets

«A quoi sert la neige?» de Vénus Khoury-Ghata

Éditions Le Cherche Midi

Adaptation théâtrale. Mise en scène • Anne Sicco

Scénographie. Lumières • François Klère

Avec • Olivier Copin . Aurélia Marceau . Colette Stephens . Christophe Seval . Marie Olympe. Romain Lavaur. Stéphanie Ribeyreix. Lucile Malnoë. Laura Flahaut 

Théâtre d’objets. Costumes. Anne Sicco

Paysage sonore • Christophe Seval

«Les fontaines sont des voyageurs égarés, 

devenues pierreuses à force de se taire"

Une voix venue d’Orient 

Poète, romancière, critique littéraire, née au Liban, Vénus Khoury-Ghata est considérée comme l’un des plus grands noms de la littérature francophone contemporaine.
Elle fait partie de plus d’une dizaine de jurys littéraires. Son œuvre est traduite dans de nombreuses langues et récompensée de nombreux prix dont les prix Appolinaire, Supervielle, Mallarmé, et le Goncourt de poésie en 2012.

Comme l’immigré libanais Wajdi Mouawad, haute figure du théâtre contemporain, Vénus Khoury-Ghata relie l’Orient et l’Occident dans une écriture d’une force incandescente, puisant dans la réalité libanaise, dans la culture arabe, dans la littérature française, dans la mythologie grecque, et dans le monde sud-américain, créant ainsi des passerelles fertiles entre les cultures.

«L’intention de raconter les forêts de mon pays incendiées par quinze années de guerre a tourné court. Des personnages ont surgi au fil de l’écriture, ont pris d’assaut les poèmes. Enfants vêtus d’écorce. Mères faites du même bois que la table. Ils ont poussé les murs, disloqué les maisons, fraternisé avec les arbres, partagé leurs peurs et leurs jeux» V.K.G

Première rencontre avec Vénus Khoury-Ghata

(Manque petite photo de Vénus + Anne et Vénus)

«Première rencontre avec Vénus. Un oiseau a dû traverser son corps et même y séjourner quelque temps pour qu’elle en ait gardé cette force ailée et ce regard nocturne. Chez Vénus les mots sont des yeux.

La poésie destinée aux enfants de Vénus Khoury-Ghata mobilise en moi la brindille et la soie, l'ortie et le caillou, le pain et le feu, l'argile et le vent. Elle effleure les ombres et soutient puissamment la nuit. Au détour des lignes, les phrases bifurquent et changent de visage comme si toujours nous croisions quelque passant familier, homme, fleuve ou bête. Flexibilité d'une langue de l'approche, de l’apprivoisement, et des sentiers.

Vénus possède le mystère des langues anciennes enfouies sous terre et ré-apprises par les enfants de la nuit. Son livre est comme un désert parcouru, désert de sable de cailloux de racines, où l'on est à la fois pauvre et resplendissant ; chaque pas franchi nous conduit à un oasis de langue. Les images fleurissent puis retournent au désert engendrant tout aussitôt de nouvelles encres.

« A quoi sert la neige » est un calendrier de l’envers et de l’endroit. La page qu’on tourne nous livre un cycle journalier avec ses mutations ses métamorphoses ses énigmes ses secrets d’enfance. Il y a chez Vénus toute une projection d'ombre, de récits, de mythes et de cheminements. Orphée n’est pas loin, nous faisons route sur les vaisseaux, l’eau est profonde. L’impression est vive.

Vénus Khoury-Ghata tisse un récit dans sa maison grande ouverte du livre, où l’enfancelibre court observe et joue, renverse les images, fait basculer sa chevelure pour marcher dans le ciel. 

La page se fait chambre, lit du monde, terrier. Nous sommes dans une géographie du livre légendaire. Migration et papier.

« À quoi sert la neige » est un dessin animé, un théâtre graphique, une marelle. Littérature miraculeuse à mettre entre toutes les mains. Petits bains de pensée. Les mots sont aux prises avec quelque chose qui les dépasse. Vénus les frotte avec des feuilles pour en faire des enfants. Nostalgie.

La poésie de Vénus est une poésie espiègle. 

Je n’ai pas lu ce livre, j’y ai marché, comme une enfant sur les rochers à la recherche de l'étoile miraculeuse.»    

        A.S

L’atelier imaginaire

« S'il y a un instant que je pourrais revivre à l'infini (à l'image de cet éternel retour de Nietzsche) – chaque seconde, chaque image, chaque mot, chaque tout compris dans tout – c'est le spectacle « A quoi sert la neige ? »; mise en scène du texte de Vénus Khoury- Ghata. 

Par où commencer pour dire, dire tout ce que j'ai vécu à cet instant précis ?
J'ai eu l'impression de comprendre pour la première fois de ma vie, de vraiment comprendre (revenant par là à la racine même du mot), d'embrasser tout le potentiel poétique que chaque mot tient en germe, au- dedans de lui-même, dans l'image qu'il véhicule, dans l'agencement de ses lettres, dans sa forme et en son cœur, dans son essence. 

J'ai déjà dit plus haut que la rencontre avec Vénus Khoury-Ghata m'avait profondément bouleversée, et que j'avais eu l'impression de toujours la connaître – faisant alors par là-même l'expérience de l'extrême nécessité de cette rencontre. 

Mais la mise en scène de son monde – ce monde mis en mouvement, ce monde dévoilé - a apporté une dimension autre à l'univers de Vénus Khoury-Ghata. C'était comme l'accomplissement de tout – et vraiment, vraiment c'était extraordinaire. Comme si tout m'avait toujours conduit à cet instant précis, comme si tout ce que j'avais vu dans ma vie n'était voué qu'à la compréhension de ce que j'avais alors devant les yeux. 

Je reprends des expressions de A. Sicco qui figurent dans l’hommage écrit qu’elle rend à la poétesse: « le règne mystérieux minuscule et abyssal du vivant », « mettre un pied dans les constellations », « la poétique du silence et de l'invisible ». Oui, c'est ça, c'est tout ça à la fois... 

Ce spectacle était en harmonie avec la marche du monde, des planètes et des étoiles, des hommes et des flocons de neige.
Le monde a gagné en sens, en « corporéité » selon l'expression de Merleau- Ponty – les mots de Vénus habitent le monde et lui donnent une épaisseur opaque et mystérieuse, une part d'ombre et de beauté transcendante. 

Il ne sert à rien pour moi de vous dire tout ce que cet instant m'a apporté – le monde soudain a gagné en sens, le monde désormais signifie, j'ai fait l'expérience de la présence des choses, de la réalité intime de l'univers. 

C'était beau, c'était magnifique. Jamais je n'aurais pu imaginer un tel instant. » 

        C.D - L’atelier imaginaire 

« Les 400 coups du théâtre » de Anne Sicco

Fragments d’auteurs

 Aristophane . Shakespeare . Bond . Molière . 

 Citations d’auteures

 Dea Loher. Carole Fréchette . Evelyne Pieillet .Chloé Delaume . Anja Hilling . 

Rencontre poétique parodique et inspirée avec l’art du théâtre Libre circulation de la pensée et des corps à travers les âges les paysages et les styles pour une fête buissonnière du théâtre et de ses acteurEs Une Nouvelle Vague au féminin

Écriture gestuelle et visuelle, dramaturgie, et mise en scène

 Anne Sicco

Avec

 Olivier Copin. Aurélia Marceau . Christophe Seval. 

 Jean-Claude Caron . Alexandra Castellon . Julie Alayrac . Thomas Trélohan

et la participation des jeunes professionnels de l’atelier de formation de l’Oeil du Silence Stéphanie Ribeyreix. Corentin Cayla. Lucile Malnoë. Romain Lavaur. Kenan Olivier. Manon Petit. Marion Fontan. Fantine Crouzet.

 Scénographie, Lumière et Direction technique. François Klère

 Musique vivante. Christophe Seval

 Création costumes. Groupe D3

 Construction . Ateliers Appia

*

et la participation des jeunes professionnels de l’atelier de formation de l’Oeil du Silence 

 Stéphanie Ribeyreix. Corentin Cayla. Lucile Malnoë. Romain Lavaur

 Kenan Olivier. Manon Petit. Marion Fontan. Fantine Crouzet. Thomas Trélohan

Avec l’aide : 

 du Conseil Régional Midi-Pyrénées, du Conseil Général du Lot

 de la Communauté de Communes de la Vallée du Lot et du Vignoble

Partenaires : 

 Théâtre de Cahors. Théâtre d’Aurillac scène conventionnée. L’Usine de St Céré

Préludes, prologues et « levers de rideau »

 Rencontre poétique parodique et inspirée avec l’art du théâtre 

 « Préludes, prologues et levers de rideau » sont un assemblage de petites pièces en vers, textes, réflexions, inflexions, irruptions, propos célèbres sur le théâtre, citations, fragments, invectives, exercices d’acteur, petits problèmes et travaux pratiques, chants, chœurs, orchestres et vocalises ; mais aussi dispositions, législations, répétitions, intrigues…

Le tout finement mené par des personnages haut en couleur : le directeur de théâtre, le poète dramatique, le professeur, le pianiste, le bouffon.

Ils nous entrainent dans les méandres de la langue et des langages pour des récoltes bouillonnantes et fécondes, rejoints par le cortège des musiciens, des saltimbanques et des déroutantes actrices de complément . 

 « Préludes et prologues… » c’est aussi le frôlement infiniment doux des visages et des corps dans un espace vide, et leur rencontre sensuelle et frémissante avec le clair- obscur.

le théâtre de répertoire Libre circulation de la pensée et des corps à travers les âges les paysages et les styles pour une fête buissonnière du théâtre et de ses acteurEs

Véritable patrimoine du texte et de la scène, le répertoire, qu’il soit tragédie, drame ou comédie, est un formidable contre-pouvoir à l’appauvrissement de la langue et de l’art dramatique et constitue un puissant révélateur de l’histoire politique sociale et littéraire des nations.

Sa pratique s'est enrichie des formidables inventions de la mise en scène contemporaine qui a eu à cœur de croiser l'analyse dramaturgique et scénique des œuvres avec le travail du comédien (corps, souffle, geste, voix, regard, métamorphoses…) et en investissant le territoire des arts plastiques.

Une Nouvelle Vague au féminin Brèves rencontres du XXI ème siècle avec les femmes en écriture

Observatrices et témoins de leur temps, relais entre un ici à vif et un ailleurs pressenti, de plus en plus de femmes s’emparent des territoires de la dramaturgie et de la création, et prennent la liberté de traduire le monde selon leur propre prisme, de le contester. La trace du mouvement infiltre le langage. La création est liberté.

« MARIE MARIE LES MODERNES SONT FATIGUÉS » de YVES REYNAUD

« …Jouant de superpositions vénéneuses, d’entrelacs libertins et de collages percutants, « Marie Marie les modernes sont fatigués » est une pièce exigeante, spirituelle et follement tendre. L’auteur y joue de « l’immaculée conception » et du « malaise des banlieues » avec la même effronterie salutaire.

Aveux, silences, mensonges. Plaisir de brouiller les cartes et les genres.

Comme chez La Fontaine, la dérive scripturale très élaborée ne cesse de lier et de délier les poncifs religieux, sociaux, et politico-­‐médiatiques. Joyeusement virulent !

Univers atypique d’étages, de boîtes aux lettres, de tubulures, de téléphones et de télévisions. Architectures improbables : ciel terre chambre couloir maison moquette papa maman berceau ? Un amant dans le placard ! Fantasmes. L’ennui est au coin de la porte, en guet apens.

Des lumières très particulières, entre néon et néant. Flaques de jour, flaques de nuits. Le bonheur en trompe l’œil. Chaleur de l’abat-­‐jour et des rideaux tirés.

Il n’y a pas à forcer les traits. L’écriture est là qui aime ses personnages. L’auteur est là, un peu plus loin, assis dans un couloir du 25 ème étage.

Pour moi, « Marie Marie Les modernes sont fatigués » est une odyssée labyrinthique, truculente, généreuse, dépouillée, brûlant de l’intérieur… » © Anne SICCO (extraits)

Beau texte Merci Yves Reynaud

« Le Souffleur d’Hamlet » 

de Michel Deutsch Le Souffleur d’Hamlet regroupe quatre pièces courtes, publiées chez l’Arche Éditeur en 1993 : 

 Le Souffleur d’Hamlet, Le costume de la reine du Danemark, rendez-vous compte, Une nuit au théâtre et Totus mundus agit histrionem Auteure du spectacle: Anne Sicco

Dramaturgie. mise en scène . Anne Sicco 

Avec 

 Olivier Copin . le souffleur, l’acteur, le directeur. 

 Aurélia Marceau . l’actrice, la femme de ménage, le directeur du théâtre.

 Christophe Seval . le metteur en scène, la concierge du théâtre, le répétiteur 

et la participation de … 

Scénographie. Lumières • François Klère
Construction. François Klère / Atelier 1
Costumes. Anne Sicco

Résidence : Théâtre de Cahors / Ville de Cahors / Inspection Académique du Lot / ADDA du Lot
Création : avec le concours de la Préfecture de Région Midi-Pyrénées - Direction régionale des affaires culturelles, avec le soutien du Conseil Régional Midi- Pyrénées et du Conseil Général du Lot 

 Coproduction L’Oeil du Silence / Tréteaux de France - Festival Théâtral de Figeac / Théâtre de Cahors, Ville de Cahors

A la veille d’une grande première parisienne, une répétition historique est menée tambour battant au cœur d’un théâtre d’Etat qui se fissure où sexes, rôles et titres s’inter-changent. un souffleur essoufflé manquant de souffle mais pas d’inspiration, des acteurs à bout de nerfs, un directeur obsédé par les revendications syndicales, une concierge qui étouffe dans sa loge sans fenêtre, des ouvriers chargés de démolir les murs pour ouvrir un dancing, un comédien pathétique aux prises avec son répétiteur... Shakespeare dans tous ses états, jusqu’au bout du Verbe, jusqu’à la lisière du silence. Un regard grinçant et parodique sur l’art dramatique et sur les dérives de la culture de masse.

"Le rideau de fer baissé et le rideau de velours rouge fermé, et la poussière du plateau vide... Savez-vous que dans les hangars culturels qui s'appellent théâtres aujourd'hui il n'y a plus de rideaux de velours rouge ? Savez-vous qu'il n'y a même plus de dessous de scène ?... Qui s'en inquiète ? D'ailleurs reste-t-il encore une scène ?… »

L'auteur, Michel Deutsch, également auteur de poèmes, d'essais et de scenarii pour la télévision, a écrit ce texte au début des années 1990. Ses textes sont publiés aux Éditions Christian Bourgois et à L’Arche Éditeur. Son théâtre a été traduit et joué dans de nombreux pays dont l’Allemagne, l’Italie, l’Espagne, les États-Unis...Il a également écrit avec Henri de Turenne, pour Arte, la série « Les Alsaciens ou Les Deux Mathilde » et avec Bernard Favre, « La Surface de réparation ».

critique G.Winter

Le Festival 2019 de l’œil du Silence, Chantiers de l’acteurE et des écritures s’achève cette année avec une image que je suis certain de ne pas oublier, une image qui, auréolée de pénombre  jusqu’à sa disparition dans la nuit de la scène, éclaire la vision dramaturgique d’Anne S. et la nature du processus de création par lequel le jeu des comédiens porte le texte à son acmé. 

Le texte de la pièce de Michel Deutsch est truffé d’allusions à Shakespeare et à Hamlet en particulier. Après la dernière réplique burlesque du directeur de théâtre, la lumière déclinante met les spectateurs en attente. D’un au-delà de la scène arrive, alors, un personnage de jeune femme vêtue d’une robe blanche et d’innocence enfantine. Elle porte ou plutôt elle est portée, par une longue traîne faite de branches de saule ou d’aulne, dont le bruissement accompagne le glissement. Pas un mot n’est prononcé, tandis que le déplacement du personnage s’achève dans l’espace de la scène, son monde retrouvé. Un frisson me parcourt le corps. J’ai reconnu dans cette ondine, l’amante démente d’Hamlet, Ophélie… Dans la pièce de Shakespeare, Ophélie ne revient pas. Ce retour in extremis, nous le devons à la magie d’une mise en scène inspirée et au talent des acteurs qui l’incarnent: Aurélia devient Ophélie.

Cette apparition provoque un renversement de situation, bouscule mon interprétation rationnelle de la pièce: un autre monde fait irruption, celui du rêve ou du fantasme qui, tout à coup matérialisé, accède au statut de réalité, tandis que la représentation théâtrale, à la réalité de laquelle le spectateur a spontanément adhéré jusqu’à ce moment-là, redevient de qu’elle a toujours été: une illusion. 

N’est-ce pas aussi le message que délivre la pièce de Shakespeare? C’est l’apparition du spectre de son père, puis une pièce de théâtre improvisée par des comédiens de passage au château d’Elseneur, qui révèlent à Hamlet, et au spectateur, la vérité sur le meurtre du roi, son père. C’est en regardant le spectacle, mis en scène par les comédiens, que le meurtrier prend vraiment conscience de son crime. La réalité que les personnages nous donnent à voir et à entendre est pleine de violence, de faits et gestes déments, car s’y exprime la folie du monde. «Life is a tale told by an idiot full of sound and fury, signifying nothing» (Macbeth). Paradoxalement, ce sont les fulgurances de l’inconscient, dans les apartés de rêve et de délire, qui sont chargés de mettre en évidence le non-sens de la vie vécue, pleine de bruit et de fureur, car les personnages aux prises avec la démesure de leurs passions, n’en perçoivent pas la folie. N’est-ce pas le rôle du théâtre, de nous mettre face à notre réalité? 

«Les acteurs ne gardent rien par devers eux; ils disent tout», déclare Hamlet (Acte III, scène 2)  

«Jacob seul» de Jean Louvet

Théâtre à vif . Éditions Lansman

Scénographie, dramaturgie et mise en scène : Anne Sicco Création lumières et paysages sonores : Éric Laborde

Distribution : Olivier Copin

«L’arbre dont je vous parle a été abattu par la tempête Avant il y avait l’arbre avec son ombre ses oiseaux Puis vint la termpête l’arbre tomba et il y eut le soleil et les oiseaux partis»

JEAN LOUVET

Depuis près de cinquante ans, Jean Louvet s’est fait le témoin soucieux et engagé de l’évolution sociale, historique et économique. À l’écoute des mutations contemporaines, il en interroge toutes les aliénations, qu’elles soient produites par la famille, le travail, la société marchande, sans jamais se départir de la conviction que le monde est transformable et que le théâtre est l’un des moyens d’atteindre cet objectif.

Joué tant par des non-professionnels que par de grands metteurs en scène et dramaturges, Jean Louvet a inventé un théâtre politique de l’après-Brecht qui a contribué à renouveler le théâtre contemporain.

«Où êtes-vous je ne vous vois plus vous savez que je tiens un canard

Vous voyez là en nageant sous l’eau je peux aller toucher son ventre et celui-là et celui-là ils viennent tous Comme leur ventre lourd flotte sur l’eau»

Installé à Carnières (Hainaut-Belgique), LANSMAN EDITEUR se consacre essentiellement aux arts de la scène. Depuis 1989, il collabore activement à l’émergence de nouveaux dramaturges de tous les horizons de la francophonie. Fin 2010, Lansman Editeur disposait d’un catalogue riche de 1200 pièces francophones.

PANDORA, La Première Femme

Texte de Jean-Pierre Vernant

Publié en septembre 2006 aux Editions Bayard

Dramaturgie visuelle et création plastique • Anne Sicco ComédienNEs • Olivier Copin . Aurélia Marceau . Christophe Seval Création lumières • Éric Laborde Musiques • Jean-Jacques Lemètre Maquillage des corps • Argiletz Draperies • Gerriets

«L’histoire que je vais vous raconter est assez drôle, un peu baroque...»

Tiré d’une conférence donnée à la Bibliothèque Nationale de France en juin 2005 par l’un des meilleurs spécialistes des mythes grecs, ce petit texte est un délice.

Les bons professeurs savent incontestablement se mettre à la portée du grand public.

Avec ce retour sur le mythe de la première femme, ce n’est pas à des élèves ou des chercheurs que Jean-Pierre Vernant s’adresse, mais tout simplement à chacunE d’entre nous.

La question particulière qu’il pose est aussi cruciale qu’éternelle: «pourquoi deux sexes?»

Cible mouvante » de Marius Von Mayenburg 

traduction de Mikael Serre / Pascal Paul-Harang Théâtre allemand - Ecritures d’Aujourd’hui L’ARCHE est éditeur et agent théâtral du texte représenté 

Dramaturgie. Mise en scène • Anne Sicco
Paysage sonore. Bande son • Christophe Seval
Interprétation • Olivier Copin, Aurélia Marceau, Christophe Seval 

 Direction technique et scénographie • François Klère
Régie lumière • Eric Laborde
Costumes Maquillages • Groupe D3 

D’où vient la menace ? Pourquoi une parole qui se lèverait de l’angle mort savamment entretenu fait-elle si peur?
Cette pièce contemporaine qui pourrait être un thriller, explore les mécanismes qui nourrissent la peur grandissante de notre société face à ses propres enfants. C’est une sorte de théâtre d’anticipation sociale où de tout jeunes enfants sont suspectés d’être des poseurs de bombes. Autour, des parents, des enquêteurs. 

 Mais que fait la police ? Pourquoi l’armée n’intervient pas ? 

Marius Von Mayenburg est né à Munich en 1972 . Il est directeur artistique, auteur en résidence, et traducteur à la Berliner Schaubühne am Lehniner Platz dirigée par Ostermeier. Ses oeuvres sont jouées dans toute l’Europe et au-delà. 

Points de vue, Inspirations, rapprochements, études 

 extraits du cahier dramaturgique de Anne Sicco© Mes notes de travail, brouillons poétiques. extraits

«On racontera le jour terrible où le minotaure n'ayant plus faim, ils le gavèrent » 

 J. Cocteau 

A partir de quelques mots/phrases du texte, trouver les correspondances.

Etre rivée aux mots pour dériver vers l’imaginaire. Chercher l’image comme un noyau de quelque chose. Trouver une image où il y aurait plusieurs hypothèses possibles. S’efforcer de trouver ce qui va être la singularité du point de vue sur la pièce 

 Placer le spectateur dans l’espace sonore et énigmatique de la prime enfance, dans le vide poétique dans lequel il déploie ses particules de pensée, de raison et invente son espace imaginaire. Battements d’ailes d’oiseau.

Les descriptions de la fillette doivent s’organiser comme un puzzle qui accroit l’énigme et la différence, creuse la faille, et créé un suspense de l’au-delà. Cohabitation et/ou frottement des entre-mondes . Situer l’enfant dans un champ poétique et dans un champ plastique de la vie, de la mort et de la disparition. Rendre palpable la trame qui traverse le silence de l’enfant, descendu dans le puits de l’être.

Petites sonates de John Cage...

Avoir l’intuition des fissures des pliages.Se raconter autre chose, ouvrir des sentiers, 

 Décider de ce que l’on montre et de ce que l’on ne montre pas, de ce que l’on suggère. 

 Brouillage des frontières par l’hétérogénéité des matériaux convoqués (montages sonores/ visuels / extraits
Mettre en scène la désincarnation de la parole vivante, sans corps, sans émotion. Partage des territoires discursifs: des personnages en chair et en os, des personnages incrustés, des personnages « en voix off » 

 En déplaçant les parti-pris esthétiques et les techniques de jeu, placer le public à plusieurs endroits, à l’intérieur et à l’extérieur du lieu d’action, lieu de l’évènement, lieu de l’intime. Tulle dressé à l’avant-scène, entre les acteurEs et le public . Recherches. 

 La scénographie , espace vide, mur de lointain et ses architectures de lumière, corde tendue entre cour et jardin, fil de funambule, fil d’ariane, corde d’entrainement militaire 

 Tisser en filigrane une pensée critique émancipatrice 

 D'où vient la menace ? 

Pour les adultes, les parents, la fillette habite un espace équivoque, avec des gestes équivoques, des sourires équivoques. 

 L’enfant comme un rébus et comme un leurre, dépourvue de valeur intrinsèque: fascination et épouvante. Comme si elle/ les enfants/ étaient des pièces détachées de la communauté humaine, qui ne doivent pas mettre en danger l’ordre établi, sous peine de châtiment. Des enfants au caractère rebelle qui rendent nécessaires des traitements appropriés. 

 Justification la surveillance humaine et technologique 

 L’ENFANT CIBLE 

 C’est une fillette « douteuse », provocante, petite fiancée du diable qui possède des pouvoirs irrationnels et provoque des métamorphoses. Elle n’est pas dans la norme, dans la soumission consentie, elle inquiète, elle échappe... Petite fille et sa poupée qui n’a qu’un oeil; petite cyclope à combattre. L’enfant finit exécutée, un trou en plein front… 

La thématique de la sorcière, du diable. Les liens avec « L’exorciste ». 

 La fillette, loin de l’école et des lettrés mais dans l’école buissonnière, lézarde l’espace familial et public. Elle trouble l’espace intime et menace la paix sociale. Il faut prendre des mesures répressives, il faut l’exorciser, il faut la détruire. Elle semble entretenir des liens mystérieux avec le diable... 

 Enfants « déviants », jeunesse à la dérive. Un durcissement salutaire? 

 L’éducation par la sanction 

 Avec le XXIe siècle recommence à se bâtir une vision stigmatisante accusatrice de l’enfance et de la jeunesse déviantes à travers des réformes accélérées détruisant éthique et solidarité, justifiée par un discours qui définit les codes d’une éducation réussie, d’une socialisation efficace, devant apporter équilibre et bonheur par la moralisation des mineurEs: tâche à enseigner aux parents pour aider à son salut, faute de quoi ils seront privés d’allocations familiales. 

LES PARENTS: CORPS REELS ? CORPS INCRUSTES ? INVERSES? CORPS INALTERABLES? 

 ART URBAIN et INSECTES: Des libellules de papier se posent de temps en temps sur les murs mais leur durée de vie est aussi courte que dans la vie réelle. Les passants aiment bien leur arracher les ailes. 

 Dramaturgie des corps: l’adulte insecte qui se pose, se colle et se fixe sur l ‘écran lumineux. « « Rester collé à l’écran »: les techniques d’adhérence 

 Au coeur de la télé-réalité du désastre: plus de frontière entre le spectacle et la réalité. Les adultes aperçoivent autre chose que ce qui est : images du réel polluées, ravies, raptées par la langue de la télévision. Ils sont campés dans une vision indéchiffrable et aléatoire du monde envahis par leurs hantises, leurs peurs, leurs délires. Affolements. Personne n’est plus sûr de rien. On reste collé à l’information de masse en continu. On joue à épuiser tous les possibles d’un mot , d’une image par des commentaires répétés en boucle. La pensée simplifiante, le flux des associations et des pensées « téléguidées par les codes normatifs traversent les personnages.. Aujourd’hui, on lance des cris d’alarme sur les modifications de la structure interne du cerveau impacté par les médias électroniques de masse et par internet.

Faut-il frapper les enfants? Les parents: « non... sauf si » , au nom du moindre mal 

 Citations de L ’Abbé Viollet : « les punitions corporelles ne sont-elles pas le seul moyen de briser l’orgueil de certains enfants robustes et plein de forces qui ne veulent jamais “céder”...

L’Abbé Henri Morice: L’art de commander aux enfants qui, en 1923, en est à sa troisième édition. L’auteur y condamne une éducation « dans le coton » qui ne prépare pas l’enfant à affronter les difficultés de la vie, à assumer la défense de la patrie. L’Abbé s’emploie à présenter la souffrance comme un mal nécessaire à la préparation du futur adulte. Cette affirmation le conduit à consacrer un chapitre de son ouvrage à « l’apologie du fouet » 

LA FIGURE DU TIREUR D’ELITE: 

 Justifier la surveillance humaine: faux-semblants, mascarades, camouflages, surveillance en ligne, stéréotypes, images truquées, caméras, drônes... et tout un attirail de jeux et de technologies pour impacter les cerveaux 

 Jeu video interactif ou le langage militaire à la sauce « barbie » 

 « Posez votre doigt au milieu de l’écran et laissez-vous embarquer dans une expérience interactive délirante.Votre simple doigt appuyé contre votre écran va vous faire vivre une expérience géniale et complètement inédite. Grâce à ce petit film coloré, vous êtes immergé dans un univers loufoque où votre doigt interagit avec le reste de la vidéo. Ainsi, vous commencez par exploser de simples ballons, au rythme de la musique, puis vous vous amusez à électrocuter des personnes et finissez par vous laisser embarquer complètement dans ce jeu virtuel. Prenez part à cette expérience qui vous amusera à coup sûr. 

Déroulement de l’action scénique 

 Un non-lieu, ni intérieur, ni extérieur où éléments du réels et éléments fantasmés se superposent, se fondent, se tordent.

« THAT MOMENT » de Nicoleta Esinencu

Traduction de Alexandra LAZARESCOU

L’ARCHE est éditeur et agent théâtral de l’auteure et du texte représenté

Dramaturgie. Mise en scène • Anne Sicco Avec • Olivier Copin, le père / Aurélia Marceau, la mère, la femme / Christophe Seval, le fils, le mari Musique directe guitare électrique et contrebasse: • Christophe Seval Lumière • Eric Laborde

En toile de fond une famille moldave déglinguée par des pratiques mafieuses et des rêves glamour promus par les médias et la publicité. Mêlant ironie grinçante et verbe tranchant, la pièce parle d’argent, de carrière, de politique et de mensonges, et propose une critique cinglante de la corruption qui s’insinue dans la cellule familiale comme dans la sphère politique, allant jusqu’à contaminer un pays entier. Critique corrosive. Pourtant, Nicoleta Esinencu nous dynamise: on a beau être en cage, un vent de liberté souffle à travers les barreaux !

«That sweet moment quand maman part travailler à l’étranger pour se faire construire une maison plus grande que la maison du maire et pour ça maman emprunte 5000 4000 pour s’acheter un permis de séjour et 1000 pour s’acheter un boulot»

L’AUTEURE : Née en 1978 en Moldavie, Nicoleta Esinencu représente un courant dramaturgique très manifeste en Europe de l’Est où de jeunes auteurs, s’ exprimant dans une société en mutation, n’ ont plus besoin de dissimuler ce qu’ils ont à dire. En rupture avec leurs aînés, désillusionnés, ils refusent à la fois la société de consommation et les idéologies qui ont enfermé leurs parents dans les pièges du totalitarisme. Ils sont à la recherche de nouveaux repères et le disent haut et fort.

« ARS MEMORIÆ. ou le tympan des coquillages »

Dramaturgie plurielle et paysage sonore : Anne SICCO Interprétation et partition vocale : Olivier COPIN, Aurélia MARCEAU, Christophe SEVAL, Camille MARCEAU, Création lumière : Eric LABORDE Projections video : Ulysse DYEVRE Costumes : Groupe D3

Comment percevoir les lieux éternels qui nous traversent encore ?

Comment s’ouvrir aux murmures d’une vie très ancienne, à la caresse du vivant, au glissement de l’eau entre les doigts, au chuchotement des oiseaux et des arbres, aux imaginaires des peuples, outils rouillés, empreintes de pas, mains argileuses ? A toutes ces révélations, ces récits perdus, ces sons couverts par le tintamarre des musiques publicitaires...

Comment reprendre le temps de l’écoute et de la vision, rendre sensoriels les matériaux éphémères qui nous environnent, les mobiliser, les mûrir, leur frayer un chemin d’utopie ? Comment se rapprocher du tumulte de nos corps rétrécis ?

Comment retrouver les usages inédits de la langue, leur puissance d’émancipation ? Comment retrouver la soif et la faim, le chant de notre «vivre ensemble»?

Et pour moi, dramaturge, comment écrire sur scène mon lien terriblement vivant avec la petite inconnue de l’autre bout du monde, qui marche effarée au milieu des cailloux ?

« Ars Memoriae, ou le tympan des coquillages » est une parenthèse théâtrale secrète et assumée pour réinventer nos lieux, nos désirs et nos troublantes météorologies sociales et amoureuses, dans un jeu interactif avec le public au coeur d’un Espace Appia transfiguré.

Depuis sa fondation en 86 à Paris, la compagnie, décentralisée dans le Lot, à présenté en France et à l’Étranger le théâtre de Anne Sicco, dramaturge et metteurE en scène, théâtre dont le caractère unique et insolite est reconnu par la majorité des critiques, qui prend sa source dans le surréalisme mais emprunte des motifs à la tradition littéraire médiévale.

Elle place le corps, dans sa totalité, son intégralité, et non dans sa partialité, au cœur de l’échange humain, au centre de la lecture du monde, de l’écriture et du jeu dramatique. Elle aborde les mythes fondateurs et les thèmes philosophiques de son point de vue de femme et poursuit depuis quelques années avec les comédienNEs de la compagnie ses recherches sur les inter-zones du langage et des corps.

« MAI 68. LE CHAOS PEUT ÊTRE UN CHANTIER »

de Leslie Kaplan

Tout public dès 14 ans - durée 1h15

Paru chez P.O.L en 2018 www.lesliekaplan.net/ www.pol-editeur.com

Théâtre au présent - Conférence interrompue

Mise en scène et paysage sonore : Anne SICCO Interprétation : Aurélia MARCEAU, Olivier COPIN, Christophe SEVAL, Camille MARCEAU Création lumière : Eric LABORDE Guitare électrique : Christophe SEVAL Création costumes : Groupe D3 Table géante/ ferronerie d’art : Ets Vulcain

« Mai 68. Le chaos peut être un chantier » est une conférence singulière sur Mai 68 écrite par quelqu’un qui a vécu les événements dans une usine occupée et qui expose comment cette expérience d’une prise de parole vivante, générale, conflictuelle, questionnante, d’une parole qui se développait entre étudiants et ouvriers, entre travailleurs français et immigrés, entre générations, entre hommes et femmes, l’a durablement marqué et continue d’être présente et active aujourd’hui.

A l’opposé les personnages qui viennent l’interrompre sont des figures contemporaines du burlesque, aux prises avec les clichés de la société de consommation néolibérale, avec sa violence, son caractère autoritaire, son discours normatif, son exigence de compétitivité et de domination. L.K.

Leslie Kaplan est née à Brooklyn en 1943 et a été élevée à Paris dans une famille américaine. Elle écrit en français. Après des études de philosophie, d’histoire et de psychologie, elle travaille deux ans en usine et participe au mouvement de Mai 68. Leslie Kaplan publie des récits, des romans, des essais, du théâtre, essentiellement chez P.O.L.

Son premier livre a été salué par Marguerite Duras et Maurice Blanchot . Son travail a souvent été adapté pour le théâtre, et ses livres sont traduits dans une dizaine de langues. Leslie Kaplan est membre du conseil de la revue de cinéma Trafic, fondée par Serge Daney.

Elle a reçu le prix Wepler en 2012 pour Millefeuille, et le Grand Prix 2017 de la Société des Gens de Lettres pour l’ensemble de son oeuvre.

Guerres, révolutions ? Qu’en dit la jeune génération ?

Comment mettre en chantier l’homme et la femme de demain ?

Après avoir assisté au spectacle et/ou aux répétitions, les classes de troisième des collèges du territoire seront invitées à partager cette réflexion et à imaginer des hypothèses créatives.

MOISSONS FUGITIVES. En 7 tableaux.

Dramaturgie plastique et mise en scène Anne Sicco

ComédienNEs • Olivier COPIN . Aurélia MARCEAU . Christophe SEVAL Création lumières • Éric LABORDE Paysages sonores et enregistrements des voix • Groupe D3 Costumes • Collection ODS

Une ballade sonore et visuelle, images fixes, tableaux vivants. Corps couchés dans de grands nids d’oiseaux. Coexistences pacifiques.

Complicité de femmes, rêves d’adolescentes, rencontres improbables.Enchevêtrement de matières de mots, de récits. Recueils de paroles, de confidences. Eclats de rires, éclats de voix. Tapage nocturne.

«Fabrique des filles» , travail de couture, de cuisine. Travaux des champs. Education à l’hygiène et aux soins. Fers à repasser, aspirateurs, machine à coudre. Ecole du dévouement.

Nouveaux modèles «american way of life».

Poupées barbies, héroïnes de papier, pin-up publicitaires.

Sourires qui clignotent, cuisines robotisées. Importations, duplications, poupées gonflables. Faites votre choix, obéissance assurée...

Jusqu’à ce que le torchon brûle!

Depuis son implantation à Anglars-Juillac, la Cie s’est attachée à récolter les témoignages des habitantEs dans l’objectif de faire mémoire de l’Histoire et de la transmettre aux futures générations.

Pour continuer d’oeuvrer à son projet de lisibilité des femmes et d’en faire une fiction théâtrale, la Cie s’est particulièrement concentrée sur les témoignages précieux, directs, fragiles, délicieux, surprenants, de femmes qui ont suivi une scolarité à l’Ecole d’enseignement ménager et agricole d’AnglarsJuillac, dans les bâtiments occupés aujourd’hui par notre Cie.

MERCI À YVETTE, JEANNINE, ANNIE, CHRISTIANE et SUZANNE !