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Répétition / C’EST L’AUBE  « Abdel Amini »

RENCONTRE AVEC ANNE SICCO

par 

MARCEL MARCEAU

© extrait du dossier de presse « ABYMES »

« Avec ABYMES, Anne Sicco signe un conte étrange et violent qui reflète une vision très personnelle d'un Japon mythique plongé dans la douceur brumeuse d'un paysage de SENKA.

J'ai aimé l’âpreté, la force, la rigueur de ce conte poétique, le lyrisme mystérieux et troublant que dégagent les personnages.

Dans ce mimodrame qu’Anne Sicco dirige avec austérité, concentration et puissance, je joue le rôle d'un être de Terre et de Songe, autoritaire, passionné, vulnérable, s’accrochant de toutes ses forces à l'amour intransigeant qu'il éprouve pour sa fille, qu'il a jadis sauvée de la mort. 

Vies réelles, vies imaginaires, tout semble se dérouler au-delà du visible, hors du temps et de sa réalité. 

Anne Sicco jette son cri silencieux à sa manière. Ce qui fait la force de son écriture, c'est la puissance évocative des images et leur extraordinaire rigueur de construction gestuelle, le lyrisme attaché aux personnages qui révèle le mystère profond de l’être. 

Je suis heureux de participer à cette création et heureux de me trouver aux côtés de ma fille Aurélia, si petite et si sérieuse, et parmi les jeunes acteurs du Théâtre de la Sphère qui ont toute ma confiance. 

En 35 années de carrière c'est la première fois que j'accepte d'être mis en scène et dirigé dans un mimodrame contemporain, c'est dire mon adhésion totale. 

Car il n'y a pas d'évolution dans un art sans recherches constantes. 

Notre art ne peut vivre sans symbole, et sa force poétique plonge ses racines dans le plus profond de nous-mêmes, révélant par le geste l’essence de notre intériorité. 

À travers ce conte fantastique et tragique, l'être humain reste, dans cette déchirure sa déchirure, un mystère troublant. »

« Immemoriam »

Pourtant, lavés de tout apparat, les silences et les cris de

 ces deux exilés ont mis à nu une autre réalité:

devant la gravité du silence éternel,les hommes sont capables

 de faire naitre entre eux des rapports plus dignes et plus

 profonds.

Maintenant la longue nuit d'hiver commence et l'hospice se

 replie et se rétrécit.

Un chuchotement, un murmure, un sanglot peut-être...

L'obscurité bleutée envahit la maison des''vieux hommes''. Dehors, il neige.Les enfants jouent ,on peut les voir derrière les carreaux. Mais la neige étouffe les rires, brouille les chemins ,efface les pas.

Sur le chemin l'arbre a plongé ses racines jusqu'au centre de la terre.

"Et toi, rêveur, écouter les morts, c'est déjà les empêcher de dormir"

Anne Sicco

«les pauvres sont aussi silencieux que les choses

 et quand au hasard des chemins un foyer les accueille,

 ils y prennent place humblement comme des visages familiers

 et se confondent aux ombres vagues du décor,

 et s’effacent dans l'oubli comme des outils abandonnés ?

LE LIVRE DE LA PAUVRETE ET DE LA MORT. RAINER MARIA RILKE

Le Nouvel Observateur 

 Anne Sicco réinvente le mimodrame avec les audaces d’un cinéaste, les tableaux montés “cut”, les ralentis désarticulés, les fondus enchaînés, les arrêts sur image, sentiments figés. Jean-Baptiste HARANG

La Croix du Midi presse

 Je n'oublierai jamais - vous non plus - le regard perdu, le geste timide, économisé de René Gouzenne, émouvant au-delà des mots, portant la misérable valise dont il a encore besoin, symbole du monde matériel et Matthias Weiland au regard fou, de schizophrène, fou et douloureux à en mourir. Ce qu'il fera d'ailleurs, il étouffera son propre cri, avec le mouchoir de son compagnon d'enfermement. C'est une vision, qui vous poursuivra longtemps, des cris que vous verrez, des regards que vous entendrez là où vous souffrez vraiment. Nous avons besoin de spectacles comme celui-ci qui font resurgir en nous des émotions fortes, poignantes, qui nous disent que nous sommes vivants, c'est-à-dire malheureux, fragiles, parce que tendres, mais que nous existons. lci, et curieusement, ce que nous avons vécu parfois, ne s'éloigne pas dans une représentation, mais au contraire vous saisit, perdure en vous, devient vous "mon semblable, frère”. Odile LAULHE

“Le Gardien de Nuit” de Anne Sicco

ANALYSE DE L’ÉCRITURE DRAMATIQUE de Anne Sicco par Michel Guiomar, professeur d'Esthétique à la Sorbonne.

Michel Guiomar a publié aux éditions José Corti, Principes d'une esthétique de la mort, Miroirs de ténèbres, Le masque et le fantasme (Berlioz), Imaginaire et utopie, Trois paysages du rivage des Syrtes.

“Le silence du sang” 

J'ai toujours été très sensible à ces instants et lieux de faille d'univers, de frontière et de seuil, octrois crépusculaires, aubes trompeuses d'incertaines saisons, circonstances de tous les possibles, pièges ou refuges des transitoires, êtres des mondes partagés et des échanges d'identité, des emprunts et masques échangés... 

 Parmi les passagers de ces lieux et irruptions de ces suspens du temps, il semble que notre imaginaire, ou notre intuition visionnaire, rencontre en particulier deux habitués aux allées et venues distinctes, s'animant pour nous de sources contraires le Golem, argile vivante empruntée à notre monde, par le vivant créée, à l'image démiurgique du geste biblique de Dieu. Il guette ici une âme revenant de l'autre monde, errante sur cette lisière, redevenant vrai corps, aux impulsions, il est vrai souvent imprévues, maléfiques, comme si une âme trahissant son éternité ne saurait se réadapter... 

En autre imaginaire, le Vampire, incarnation-réincarnation de tension et d'équilibre du sang qui coule d'un être d'ici, vers ['Au-delà, mais saisissant au passage un autre être du Seuil, pour sa survie, nous apportant cependant un message : l'Univers est sang, il saigne sans cesse sur nous, invisible... D'Argile et de Sang, blason de la Mort, sceau du Seuil inéluctable qui nous sera cependant étranger, invisible, qui devrait le demeurer, sans illusionnistes ni faux livreurs de ses secrets. 

 C'est de respecter l'essence de ce carrefour de temps et d'espace, d'avoir saisi sa désertude glaciale, évité tous les pièges, que Le Gardien de Nuit d'Anne Sicco fascine, étreint révèle, ne serait-ce qu'un instant de foudre dans la Nuit. 

Il serait ainsi bien inutile de dénoncer les emprises sur d'autres de ces pièges, les pires surenchères de sang et de corps navrés à mort, d'érotismes aux aberrantes défaillances de complaisantes victimes sans innocence, entravées de pacotilles et de faux viatiques psychanalytiques, jetées au cours d'intrigues sans poésie romanesque sur des scènes ou des écrans prétextes. De tels faux-pas volontaires ont jalonné depuis quelques années les mutations modernes de l'image du Vampire, d'un Dracula surhaussé non pas élevé à un Mythe sous sa fausse acception, non plus de racines de toute origine de l'homme organiquement lié à l'Univers mais sur un socle d'obsession médiatique comme le nouveau fantastique de l'Au-delà, dévoyé en basse-oeuvre de science-fiction. De monstrueuses incompréhensions, qui se donnent l'excuse d'être calculées, ont ainsi détruit l'essence même de cet échange de la Mort et de la Vie, embourbé ce sillon profond où un Sang exalté de revivre se communique de l'Homme à l'Univers, de l'Univers à l'Homme. 

 

Anne Sicco a compris admirablement l'intention, l'attitude et la démarche dont devrait s'éclairer le témoin d'aujourd'hui espérant renouveler la dramaturgie de cet invisible octroi des mondes et que ce lieu qui n'appartient à personne imposait ses lignes magnétiques, au sens universel comme au sens même de tracé à la craie sur le plancher de scène, en tentatives imaginales, oniriques, en tâtonnements, jusqu'à ressentir la tension révélatrice de la Voie déserte et donc libre, de ses pouvoirs secrets, et la géométrie de l'espace hanté, jusqu'à connaître par cour, par le cour blessé par l'effort, les déplacements non interdits, vers l'Au-delà. 

 

Et, en cet espace, sur ces chemins, avant tout le Silence, un silence matière, un silence d'âme, en quête ou en veille, non plus errante, mais guidée, à son insu même, peut être... L'une des toutes premières présences inspirées du vieux thème vampiresque, le Nosferatu de Murnau, avait déjà éprouvé l'efficacité créatrice de l'écran d'autrefois, que celui d'aujourd'hui ne pourra plus, ne voudrait plus jamais revivre, anéanti par ses irrépressibles pulsions verbales de paroles, de cris, par sa propre jouissance livrée à tous : l'écran muet, le Silence à qui - car pendant que nous écrivions il est devenu Présence, Personnage - à qui nous adjoindrions son corollaire visuel pour le témoin d'aujourd'hui, le Noir et Blanc, le refus de la couleur, de la couleur comme enrobage, noyage et masque alibi de nécrophiles, excitant de voyeurs, puisqu'elle ne sait plus guère être discrète et se nuancer, ce noir et blanc muets n'étant pas au contraire pour nous, qui l'avons connu dans notre enfance, l'exaltation d'une vaine nostalgie. 

 

Eclairons ce paradoxe contre-scénique, qu'Anne Sicco réussit cependant face aux exigences indétournables de tout théâtre. Murnau avait parfaitement saisi que, loin du discours littéraire, de la lenteur romanesque, du texte théâtral, des redites lues ou entendues, nécessaires à l'instauration en 

 

nous,d'un monde que nous y découvrons, des paroles échangées que nous pressentions et, imprévisibles cependant, reconnaissons cela comme nôtres, entre l'Au-delà et nous, d'une rumeur tissée de liens, de pactes secrets, que nous signons en nous sur ce moment-seuil, le cinéma muet de son époque pouvait, en privilège de ses contraintes, faire des obstacles des tremplins de l'imagination, des chemins gris et sans couleur les vecteurs de notre nouvelle sensibilité à la vision mouvante. Dreyer l'avait compris aussi; tout pouvait y devenir signe plus prégnant que les paroles dites, et montrer les passages visibles des souffles de ces échanges, comme les stigmates sur l'écran des blessures du franchissement, des allées et venues, du flux et du reflux, la respiration de ces espaces mêmes. Rappelons-nous ces étranges domaines du silence d'autrefois, celui de l'univers, des paysages, des demeures, ici celui des nuits du port de la Baltique, quand Ellen erre sur sa terrasse parmi les longs rideaux blancs agités de souffles sans que ceux-ci nous murmurent même le moindre bruit : nous percevions en nous un appel lointain du vampire, ou l'inquiétude errante de Hutter dans les Carpathes, elles-mêmes de silence. Plus tard des voix de paysannes assemblées dans la nuit de la Saint Georges contre un mur de ferme en pénombre, plage claire-obscure: à sa lisière on cherche d'instinct une présence autre; ces lèvres prient, nous ne les entendons pas, mais leur angoisse nous atteint; des coyottes ou des loups en lisière des bois hurlent le silence; les terres de ce relais nocturne, le dernier avant le pont interdit et cependant il trouve en nous l'écho des temps de notre animale primitivité de peur. 

 

En second lieu, le silence organiquement lié au mécanisme même du film, un silence technique devenant, ou demeurant encore élément de l'ontologie du cinéma, de l'être, de l'ouvre, le silence de la citation lisible, écrite et qui devrait parler, des irremplaçables ruptures de tableau noir et blanc disposé pour la phrase en notre salle d'ombre, prononcée intérieurement par nous, activement, loin de la passivité d'aujourd'hui, ou pour annoncer un fait, que nous prédisions nousmêmes : vrais silences de l'espace, de l'oeuvre, de notre regard, non pas détente de notre vision, mais tension imaginante, suspens dissonant comme un accord à résoudre, attente et appel qui respectaient, de l'oeuvre à nous-mêmes, l'image précédente et l'incertitude qui suivrait. L'exemple le plus saisissant de tout le cinéma muet était peut-être - encore que je me souvienne de bien d'autres- cet instant du milieu du pont franchi par Hutter qui se détourne en solitude vers ses guides déjà enfuis, l'instant de la vraie rupture du monde, d'écran, pour la parole et l'annonce, l'une des plus célèbres aussi : "Et quand Hutter eût franchi le pont..." 

 

Il serait inutile de poursuivre, et même hors-temps de le faire, sans avoir du moins accepté, transcendé en nous de telles contraintes : la dualité nette du noir et du blanc, exclusifs de toute autre couleur, vrai manichéisme technique, terme il est vrai trop usé par les médias, pour dire ici la transgression naturelle en termes extrêmes d'une métaphysique de notre vision, essence même du démoniaque, celui-ci aussi mal entendu souvent, mais dont Lotte Eisner nomme l'écran expressionniste allemand; ce daimon, en vérité, n'est ni le satanique, auquel convient les succédanés érotico-macabres, ni le diable chrétien ou autre, mais la force en nous de notre propre sang, de notre vitalisme éternellement déchiré entre la lumière de Dieu et les ténèbres du lac profond que prédisait la Sibylle, ou entre l'Ombre de Dieu et la lumière luciférienne, qui reste celle d'un ange, malgré lui, éternel, comme la contradiction même de notre existence. Donnons à cette transcendance les métaphores visuelles utiles ou les messages nécessaires du silence, d'un silence en creux dans le silence même, d'un cri ou d'une plaine en Noir et Blanc : l'univers même de l'image-clef de Nosferatu, une fois passé le pont, dans la contradiction d'un second monde, d'une inversion des valeurs de lumière et de ténèbres, du jour et de la Nuit, un monde en négatif, de négation, pour l'entrée des fantômes vivants, en réalité trois en une seule irruption, trois êtres en une seule course vers Hutter, dans l'irreconnaissable d'un chemin de sapins : le comte vampire, les chevaux, la carriole... 

 

Autre monde, autre Silence désormais, qu'il ne nous est plus temps de commenter inutilement, au domaine du Vampire oppressant, cerné, qui s'emprisonne lui-même; c'est surtout ce vrai silence qu'Anne Sicco a ressenti et transmis, non sans lutte contre les tentations; une première version nous montre l'effort de discrétion conquise, de paroles effacées, jusqu'au nom de Dracula, dans un théâtre qui donne la parole aux gestes, au point que son texte même semble non pas créer l'espace et la trame, mais naître de la hantise de cet espace, de la densité des gestes suggérés, des parcours que nous pressentons à sa mise en scène. Elle nous appelle, explicitement, immédiatement, avant lecture même, à une théâtralité du silence, d'essence extra-verbale ; elle retrouve la puissance originelle de l'écran ancien, du vrai Mythe que nous avons dit, ici ou ailleurs, qui nous hante nous-même, depuis... je ne puis le dire... On y reconnaît, sans insistance qui les détruirait l'un et l'autre, l'antagonisme et alliance de l'argile et du sang, du golem et du vampire, le souvenir d'au-delà de notre présence de Terre, d'un état du Monde et de l'Homme, encore imbriqués, dans une gangue commune de la Matière et de l'Esprit, vers une émergence en attente, entre les règnes de la nature.

C'est même peut-être cette imminence qu'elle nous interdit de provoquer à l'existence, ce qu'elle refuse à notre emprise sur son oeuvre, d'un développement spectaculaire contre l'imaginaire même de l'univers de son oeuvre. Les signes scénographiques et textuels en abondent, qu'elle consent à confier à notre docilité, à notre lecture (et que le spectateur ignorera peut-être) aux gestes et démarches qui gardent la trace des dualités essentielles, parfois doubles, comme celleci 

 "Mort - Naissance de l'Ombre / Clarté-chant". 

 

Mais des contre-ruptures constantes, comme sur l'écran d'autrefois sont plus révélatrices encore, autant que le style des propos échangés, comme des propositions à notre réponse toute intérieure; si des paroles sont dites, en effet, lentes, enchaînées de silences ou les enchaînant, silences au sens musical du terme, et musicaux aussi la diction et les images en grappes de phantasmes, ceux-ci bien loin de toute suspicion psychanalysable, des silences noirs se précipitent en totalité entre les scènes, puissants au point de balayer d'un seul instant les scènes, paysages, lieux hantés pour d'autres, autant de failles créatrices, de frontières approchées. Le texte lui-même invite, mais toujours en métaphores ou images à saisir en hâte au passage, ou parfois presque indécelables, à voir nous -mêmes cet invisible. Déjà, sans que souvent en soit avoué le mot, une lente pluie très lente, invisible de sang tombe en nous, comme sur un rêve de Rimbaud une pluie d'encre noire, ponctuée par les silences pressentis; mais les paroles elles mêmes... 

 "Je tombe, je tombe, je tombe, tombe, tombe " prononce Jonathan en une répétition, dont cent autres exemples nous confieraient le même secret, d'un mot-image, qui va rejoindre à la fin une profondeur de silence, de Mort et d'ensevelissement. Tout un parti répétitif, insistant comme une lanoinance musicale ou rituelle de possession, de respiration haletante, conduisent les mots d'une familière fréquentation en sonorités insolites, en significations interdites, provocatrices d'événements matériels, mais peut-être sans formes sur lesquelles, pense Bachelard, il est difficile de rêver, des lieux et objets seuls qui répondent au thème légué par nos inconscients humains, le port, le vent, l'insecte, la barque ou le navire, la blanche et fragile frontière des rideaux. Mais que suis-je surpris à dire, à commenter en dépit de ce qu'Anne Sicco demandait qu'on ne fasse pas. Je m'arrêterais ainsi et, pour continuer quelques lignes, pour nommer, décrire, laisser pénétrer en nous l'univers du Gardien de Nuit et d'Anne Sicco, l'un de ses écrivains préférés, premier témoin contemporain de ce que nous ressentons quand tombe la Nuit, je veux dire ici, le Rideau 

 

"il m'arrive de perdre soudain le fil de ma vie ; je me demande, assis dans quelque coin de l'univers, près d'un café fumant et noir, devant des morceaux polis de métal, au milieu des allées et venues de grandes femmes douces, par quel chemin de la folie j'échoue enfin sur cette rade, ce qu'est au juste ce pont qu'ils ont nommé le ciel... Ce moment que tout m'échappe, que d'immenses lézardes se font jour dans le palais du monde, je lui sacrifierais toute ma vie s'il voulait seulement durer à ce prix dérisoire..." 

 (Aragon, Une vague de rêves) 

 L’Humanité 

 

Anne Sicco ne donne pas dans la facilité. Elle soigne ses mises en scène, fignole, pèse les détails. N'allez pas en conclure que de cette machinerie très réglée s'exhale un long ennui. C'est à une sorte de méditation poétique qu'elle vous invite. Invitation à s'extraire d'un rêve finalement plutôt cauchemardesque pour accéder au merveilleux. Parcours re-initiatique. C'est très beau. Le thème, nous en avons parlé est très, très nocturne: il s'agit d'atteindre le bout de la nuit... Et les décors, les couleurs restituent à la perfection celle qualité de la nuit. Le jeu des acteurs est fort, maîtrisé. Mais là encore, ce n'est pas une surprise. Nul n'ignore qu'à Luzech on pratique une rigoureuse discipline. Nous l'avons également signalé: plus que d'ordinaire, dans ce spectacle, Anne Sicco fait intervenir du texte. En fait, relativement peu. Comme toujours, c'est l'image qui prime, le geste, les scènes. Le texte - nous avons noté de très forts passages - sert un peu de fil conducteur. Il souligne. Il y a dans tout cela une grande gravite: le "sujet" ne prête pas précisément au rire. Mais qui n'exclut pas le clin d'oeil, parfois et un humour qui n'est pas noir, comme les scènes entre le malade et son gardien de « psy ». En bref, quelque chose qui donne à réfléchir et à rêver, sans une once d'ennui... Oui, si ce spectacle passe à portée de votre regard, ne le manquez pas... Car c'est bien d'un manque qu'il s'agirait alors. Qu'Anne Sicco me pardonne d'extrapoler: à l'heure où les vampires d'aujourd'hui traînent sous leurs capes des effluves de pétrodollars et rôdent autour de golfes aussi clairs que le sang, comment demeurer sourd à son message ? 

 Jean MORAWSKI

Les voix du théâtre. Jean-Claude Icart

Les paroles de la nuit sont devenues sans promesses:

"N 'entendez-vous pas ce fracas dans le ciel! Un vrai déménagement. Notre siècle s'en va mourir. Quelle agonie, Madame, quelle agonie!

Et la nuit qui se précipite. La nuit est débordée! tant de formalités à remplir, tant de morts à enterrer, de preuves à faire disparaître. Le grand nettoyage!"

Et l'on pourrait ici évoquer, l'étrange écho que l'extérieur donne à ce texte, ou ce qu'il en fut de ces promesses en notre siècle, de ces promesses nocturnes, de ces sorties de la nuit par les «aurores radieuses», de ces voyages au bout de la nuit débouchant à terme sur cynisme et fureur...

Ecoutons Peter Sloterdijk: 

 "une ligne souterraine traverse la civilisation de la haine de notre siècle -de Dada jusqu'au mouvement punk et jusqu'à l'automatisme nécrophile de la New Wave. Ici se manifeste le maniérisme de la fureur qui donne au grand roi mort, un socle du haut duquel on peut mépriser le monde ignoble et incompréhensible" 

 La Dépêche du Midi 

 Événement culturel sans aucun doute, dans la grande salle de la Grave transformée pour un soir en Théâtre de notre temps, avec ses rangées de gradins plongeant directement sur un vaste décor dominé par les tons noirs et gris, rayé par deux coulées de longs tissus blancs immaculés, véritables symboles de cette tragédie du bien et du mal, de l'homme et de son double, de l'amour et de la mort. Dans une mise en scène expressionniste, traversée de lumières, de souffles, de paroles, de cris, de feux et de pluie, sur des musiques de Mozart, Dutilleux, Surman... Anne Sicco a su tirer et transposer du roman noir de Bram Stocker “Dracula”, tout l'aspect essentiel, étrange, inquiétant, violent, prémonitoire des événements de cette fin du XIX' siècle et de l'état des consciences où germaient des vampires et qui allaient sombrer dans la nuit et l'épouvante de la Première Guerre mondiale.

Tenir sous la magie, le charme ou l'effroi, pendant près de deux heures, un public de près de cinq cents personnes qui s'étaient volontairement arrachées au rivage de la télévision du samedi soir, relève de l'exploit.

La preuve. Cette ovation enthousiaste, libératrice après cette offrande d'images vraies, de visions oniriques, d'émotions fortes, de poésie.

Avec L'Oeil du Silence Anne Sicco s'avance patiemment, malgré les difficultés, dans ces villes et contrées du Lot qu'elle aime pour en être native, pour offrir à un large public dont elle place le respect au plus haut point, des créations contemporaines qui, loin des modes et des procédés racoleurs du moment, font appel aux plus belles aspirations du geste et du corps et aux plus nobles exigences de l'esprit.

ZITTY Berlin : "AMOUR, MORT ET PASSION - ANNE SICCO AU TACHELES"

 Le cheminement professionnel d'Anne Sicco se lit pour le connaisseur de théâtre comme un gourmet lirait un menu de Paul Bocuse: Tout ce que l'oeil et l'oreille convoitent y apparaît d'une manière ou d'une autre. Née à Cahors, l'artiste rencontre à vingt ans Marcel Marceau et devient son élève. Elle écrit plusieurs mimodrames pour lui, développe sa propre conception dramatique et enseigne pendant plusieurs années dans son école. Puis elle s'enthousiasme pour la peinture romantique, la révolution surréaliste et le cinéma contemporain. En 1984 Anne Sicco fonde sa propre compagnie portant le beau nom "L’Oeil du Silence" avec dix-huit artistes de nationalités différentes. Ses mises en scène consolident sa théorie du "geste quotidien et visionnaire" qui prône, comme concept dramaturgique dominant, l'expérience sensuelle (sensitive) du temps.

 C'est une description très humble, presque inadéquate de son œuvre qui tourne mystérieusement autour de mythes et de métaphores archétypales, inspirée par quelques "grands" comme Dante, Rilke ou Artaud.

« Le Saut dans l’Ombre” » de Anne Sicco

                    TACHELES- BERLIN

Sunday Times PRESSE 

Le Saut dans l’Ombre nous est apparu comme le travail le plus hardiment sombre et profond qu’on puisse imaginer (...) Le passé et le présent, l’illusion du réel et la réalité de l’illusion, la recherche de ce que l’auteur considère comme les éléments d’une culture littéralement souterraine au sein de notre civilisation actuelle – ces thèmes et d’autres peuvent être entr’aperçus selon votre aptitude à saisir les indices parlés et visuels parsemant la pièce. Je dois avouer que je me suis senti désorienté, plongé dans une grande perplexité, mais c’était comme sous l’effet d’un charme dont j’ai eu longtemps du mal à me défaire. 

Bertrand VEILLITH . L’Olivié Avignon Off  PRESSE

Voilà un saut duquel on ne ressort pas indemne. Enfin un spectacle qui ne laisse pas indifférent. Le Théâtre de la Sphère travaille avec le corps des acteurs sur des héros fatigués. La précision du geste est extrême. C'est un théâtre de l'extrême qui va très loin dans le saut qu'il nous oblige à accomplir. Par touches successives les tableaux vous entraînent dans un monde où les personnages shakespeariens déboulonnés se confrontent à un passeur qui pourrait sortir d'un film de Tarkowski. 

Ce n'est pas du théâtre de recherche mais du théâtre qui trouve.Vous ressortirez avec des images sensibles dans la tête, vous entendrez dans ce monde tout en rousseur, en blancheur, en noirceur, en fluidité comme la lumière en brisures comme ces flashs. Rondeur et dureté de la pierre, s'opposent aux personnages longilignes et minces. Et toujours dans l'ombre, de l'autre côté des miroirs, cette violence, ce théâtre de la cruauté, extraordinaire résumé des questions de notre époque. Le rythme du spectacle est haletant dans sa lenteur. 

Si vous voulez participer à quelque chose de nouveau, d'éternel parce que participant des grands mythes, si vous n'avez pas peur de faire ce saut, de laisser derrière vous une vision littéraire, bavarde et facile du théâtre, si le très beau, le très pur, le très violent, le très sensible, ne vous effraient pas, bref si le magique vous attire, courez voir cette compagnie, vous entrerez dans la sphère et vous vous souviendrez longtemps de ce moment de votre fête du vrai théâtre.

Déserts ou les sept rêves de Sarah 

Dramaturgie, écriture, et mise en scène 

Anne Sicco

Musique vivante 

Jean-Jacques Lemètre Scénographie 

lumières François Klère

DESERTS acte I est le récit du voyage imaginaire et trans-historique de la jeune Sarah, personnage désorienté, écorché, assoiffé, en mal de signes, qui quitte le monde dans lequel elle ne réussit pas à vivre et se réfugie par défi dans l'espace vide et inquiétant de la caverne, guidée par le Messager. 

Glissant au plus profond d'elle-même, à mi-chemin entre sommeil et veille, elle ressent les puissances fertiles du Mythe, des Ombres, et du Rêve, et retrouve les traces de civilisations enfouies. « Déserts acte I » est l'histoire du tarissement de la parole pour une migration vers le silence, le corps, le regard et la nuit.

DESERTS acte II raconte le retour de Sarah dans son temps. C’est le projet de franchissement de la porte interdite.

L'ensemble des images motifs et thèmes, plonge à la fois dans les grands mythes fondateurs de la figure féminine et dans les formidables émotions abyssales du psychisme enfantin. Il constitue le tissu serré enchevêtré, le VOILE à travers lequel Sarah va tenter d'apercevoir l'éclair de sens; sens de sa vie de femme, sens du devenir, orientation, direction à prendre, désir d'être au monde. 

L’appel du sable, c'est la rage de Sarah de terminer dans le désert des histoires qui s'effritent, c'est la volonté d’ensevelissement du passé, de la crainte, et de la douleurs. C’est aussi l’approche du point zéro pour une histoire qui va venir et nous réconcilier.

(Extrait)

Prélude. Voix dans le noir. 

L'homme : 

Elle ne se souvenait jusque-là que des verdures drues qui entouraient la maison, des printemps gorgés de sucre, perdus de fleurs, des automnes éclatés sous le poids des fruits.

Sarah : 

des moments, des moments inexplicables… une sensation… le ciel paisible. 

Le vol d'une mouche, l'été, dans une chambre à la campagne… un mouvement dans la fraîcheur de la maison… et tout le reste est immobile. Moi, je suis étendu sur le lit, ni passé ni futur, seulement la mouche… et mon âme en vacances dans le corps de la mouche.

L'homme : 

L'ennui la paralysie ?

Sarah : 

Non la conscience intense des choses… De l'air… De la poussière qui se déplace… De la mouche qui se pose au plafond… Touchante…. 

Ou bien aussi une lampe… Et moi, repliée dans l'abat-jour… Et je ne reconnais plus la chambre… Je suis posée sur le guéridon.

Marcel Marceau Paris le 30 janvier 1997

Ma chère Anne,

        Je te remercie de tout cœur de m'avoir sollicité pour partager ta magnifique création «Déserts ou les 7 rêves de Sarah», et d’y incarner le messager. Ce rôle m'a totalement engagé et j'ai beaucoup appris. 

        Nous sommes tous deux lancés dans la création, et les travaux que je suis depuis que je t'ai découvert en 1978 me passionnent et m’interpellent. 

Tu avais 27 ans à l'époque lorsque je te confiais la direction d'un atelier expérimental au sein de mon Ecole Internationale de Mimodrame de Paris afin que tu puisses donner libre cours à ton imagination et à tes recherches théâtrales. 

En 1986 tu as quitté notre école pour fonder dans le département du Lot ton propre centre L’Oeil du Silence qui développe l'enseignement la création et la recherche, et que je visite chaque année pour y donner des cours et des conférences et y rencontrer les professeurs d'arts martiaux, de chant, de grec, de littérature, et les philosophes de passage.

        Depuis tu n'as cessé de travailler avec ta vaillante équipe et ton fidèle collaborateur François Klère, présentant tes créations en Europe qui chaque fois on su déclencher l'étonnement des critiques et l'enthousiasme du public.

Aujourd'hui par cette nouvelle création présentée à Albi, tu me prouves plus que jamais que je ne m'étais pas trompé en te précisant une carrière d'auteur de dramaturge et de pédagogue de pointe. 

Tu luttes courageusement pour maintenir une qualité et une rigueur rares, malgré les aides assez faibles que tu reçois des pouvoirs publics. 

Dans une époque difficile où la culture se nivelle et se dégrade, tu fais entendre ta différence par l'esthétique et les idées que tu défends. Tu fais admirablement la synthèse de la dramaturgie silencieuse et visuelle et de la langue poétique et philosophique. Tu réalises ce qu'Antonin Artaud voulait faire : un théâtre dramatique où le geste, le souffle, le cri, le texte, révèlent indissociablement le poids de notre être.

        Tu es partout à la fois, à la direction de la troupe, à la technique, au secrétariat, à la formation des stagiaires, dans les écoles, les quartiers, les associations… Tu te bats avec des difficultés parfois insoutenables et j'en suis bouleversé.

        Anne, tu vas te situer de plus en plus parmi les artistes authentiques qui régénèrent le théâtre contemporain et qui tracent des signes nouveaux malgré la dégradation des conditions de vie et des rapports entre les individus.

        Je te le dis une fois encore, Déserts est un chef-d'œuvre, le jeune public enthousiaste ne s'y est pas trompé. La dramaturgie n'est pas seulement profonde mais trouve une résonance sur un public qui s'interroge sur l'avenir et qui n'avait plus de croyances dans la magie et la force de l’art, ou même n'en avait jamais eu. 

J'ai passé des moments inoubliables avec ta jeune équipe et avec ce grand musicien qu’est Jean-Jacques Lemètre.

        Je viens de créer en Amérique une fondation pour l'avancement de l’art du mimodrame. Je pars en avril 1997 pour y tenir une session avec le board des personnalités du monde de la musique, du cinéma, des arts plastiques et du théâtre qui ont accepté d'entrer dans la fondation. 

Saches que je compte également sur toi pour l’avenir; il faut que le public américain découvre ton travail ainsi que le public japonais qui saura te reconnaître à ta juste valeur. 

Je suis persuadé que les institutions culturelles françaises sauront te reconnaître et t'encourager. C'est ce que tu mérites pour l'histoire théâtrale de notre pays.

        Voilà, chère Anne, ce que moi, Marcel Marceau, avec 50 ans de métier, de tournées et de rencontres à travers les cinq continents, j'avais envie de t'écrire presque solennellement. 

        Soit remerciée. Courage. 

        Je reste ton fidèle BIP et ton MARCEL MARCEAU

« Les 81 minutes de Melle A » de Lothar Trolle

 Traduit de l’allemand par Michel Bataillon 

 

Théâtre allemand - Ecritures d’Aujourd’hui 

 Texte paru chez THEATRALES 

 L’ARCHE est éditeur et agent théâtral du texte représenté

 

 Mise en scène et dramaturgie Anne Sicco 

 avec: Aurélia Marceau, Louison Pochat, les anges-caissières.Olivier Copin, Christophe Seval, les passeurs

 Scénographie. Conception lumière. François Klère 

Ce spectacle a bénéficié de l’aide à la création DRAC Midi-Pyrénées, du Conseil Régional Midi-Pyrénées, et du Conseil Général du Lot .

« Mademoiselle A. » est caissière de supermarché. Nous sommes à l’âge du nylon et du cosmétique, dans l’univers saturé de la marchandise où le chef du personnel délivre par haut-parleur tout au long de la journée ses nouveaux “commandements”.

Les 81 Minutes de mademoiselle A. sont les minutes qu’elle vole à son travail lorsqu’elle se retrouve dans le “vestiaire/ foyer du personnel”. Là, elle oppose au code-barre la langue des mythes et des légendes, déploie son corps entre le miroir et la tasse de café, se glisse dans les failles de l’horloge. Et l’histoire de Noé se mêle à celle d’Ulysse. Sirènes et anges- caissières tueuses peuplent le déluge, un déluge qui finit par noyer, dans un grand éclat de rire, le mythe de la croissance infinie. 

 Lothar Trolle, né en 1944 à Brücken, est un dramaturge allemand, poète, auteur de pièces radiophoniques, nouvelliste et traducteur.

L’univers de Lothar Trolle ne ressemble à rien de connu. Sa langue est jubilatoire, déroutante, on ne sait pas qui parle, il n’y a pas de dialogue; une parole à tiroirs, un dédale; l’auteur connaît les lois de fusion de l’humour et de l’absurde, le point critique où le réel explose : il rit et nous fait rire en contemplant le pire. Il sait que nous vivons dans un monde où tout est prévu pour que «les arbres ne poussent pas trop haut dans le ciel.» 

 Points de vue, Inspirations, rapprochements, études 

 extraits du cahier dramaturgique de Anne Sicco©

« Les 81 minutes de Melle A » un monobloc de 20 pages. Une pièce « complexe », dit-on….

En cette fin du vingtième siècle on a pris l'habitude d'agiter la complexité comme un épouvantail. Elle serait la cause de tous nos maux. C'est une brillante invention que ce mot, qui profite avant tout aux marchands d'illusion. Il recèle une manière sophistiquée de dire au public qu'il vaut mieux ne pas chercher à comprendre. C'est la dernière manoeuvre d'intimidation intellectuelle d’une démocratie qui se sent vaciller.

Un vestiaire de supermarché, avec table, chaises, rangée d’armoires, lavabo et miroir

 C’est là que les demoiselles de la caisse entre deux services, détournent leur fatigue et leur colère, rêvent, et imaginent les pistes d’évasion. C’est là qu’elles volent son sang au grand mécanisme économique : le temps. C’est là qu’elles se retrouvent « au plus près du ciel ». Nous sommes à l'âge du nylon et du cosmétique, dans l’ univers saturé de la marchandise où le chef du personnel délivre par haut-parleur tout au long de la journée ses nouveaux “commandements”. Une voix décrit minutieusement et malicieusement le quotidien de ces « anges en blouse verte/ bleue/ rouge ».…

Les 81 Minutes de mademoiselle A. sont les minutes que ces « anges » volent à leur travail lorsqu’elles se retrouvent, le temps d’une pause, dans le “vestiaire/ foyer du personnel”. Dans cet univers parallèle ces « Mademoiselles » échafaudent des tréteaux de théâtre et des scénariis fantastiques: traversant à leur gré le miroir du réel, elles frôlent les animaux sacrés, les poètes et les ombres, les femmes envoûtantes et les dieux parfumés. L’aventure romanesque se déploie. Le fantasme frôle les caddies, se répand dans les rayonnages.

« Mademoiselle A. » joue tous les rôles. 

 Ange et démiurge, elle oppose aux codes-barre qui l’étouffe la langue des mythes et des légendes, déploie son corps entre le miroir et la tasse de café, se glisse dans les failles de l’horloge pour tisser de nouveaux liens avec l’univers, Lothar Trolle enchevêtrant sans complexes les emprunts littéraires, les dialogues de cinéma, les citations, les proverbes. Comme chez les enfants, les mots tiennent lieu de passe magique. 

Mais qui est Mademoiselle A.?

 Mademoiselle A. est une femme qui s’invente au miroir et se démultiplie. A l’inverse de Frankenstein, créature artificielle fabriquée à partir de morceaux de cadavres, la caissièreautomate reconstruit son humanité par glissements successifs, grâce aux débris laissés dans nos mémoires par les poèmes, les mythes et les légendes

 Et le narrateur/ passeur de signaler au public avant de disparaitre :

“ le spectateur attentif aura noté que depuis exactement 81 minutes cette Mademoiselle A. est parvenue aujourd’hui à ne faire que ce qui l’intéresse / et pendant chacune de ces pauses avec un stylo bille / un bout de craie, elle a couvert d’inscriptions les portes des armoires métalliques/ des murs alentour / et cette image devrait, pour le spectateur là en-bas, demeurer autant que possible inoubliable: ce fait que, si demain / après-demain, il met de nouveau le pied dans un / son supermarché, il aura mis le pied dans un univers provisoire où il dérive sur une surface d’eau sans limite où crépite sans cesse une pluie qui ne décroît pas, bien qu’elle dure depuis 40 jours précisément, mais qui tout au contraire redouble de violence, si bien que l’eau monte, sans espoir de changement, toujours plus haut...”

Le rêve prend alors toute son ampleur et envahit la page à la fin de ce court texte hiéroglyphique. 

 L'histoire de Noé se mêle à celle d'Ulysse. Nous entrons dans le théâtre des aventures féroces et miraculeuses. Requins, sirènes et anges-caissières tueuses peuplent le déluge; un déluge qui submerge l’univers de la marchandise et du supermarché, et finit par noyer, dans un grand éclat de rire, le mythe de la croissance infini….

CRITIQUES DE PRESSE

Françoise VALLON

Critique, Professeur de philosophie au Lycée des Arènes de Toulouse 

« Le danger métaphysique. » Françoise VALLON, critique, professeur de philosophie au lycée des Arènes de Toulouse 

« Nous ne verrons que l'envers du décor, même s'il est constitué d'un somptueux croisillon de lignes brisées. Lignes brisées aussi celles des vies de demoiselles de supermarchés désincarnées, réduites à leur initiale anonyme et à leur blouse bleue, rouge, verte. Filles de caisse sans épaisseur, elles sont devenues des anges, c'est à dire qu'elles n'ont d'existence que de rêves. 

 Deux compères nous font voir, avec une précision diabolique, le contour de ces rêves. Ils sortent du décor avec la force sulfureuse, irrésistible et souveraine de la fumée d'une cigarette par un conduit d'aération. Les rêves sont ceux de l'envers du décor. Ce ne sont pas des rêves de midinette, des rêves faits de messages publicitaires ou de débris des mondes virtuels. Ce sont de vrais rêves drus, directs, positifs, insolents et irrépressibles. La merveille est que le matériau scénique de ces rêves ne soit que les corps des acteurs et actrices, la buée de lumière et le silence autour. La merveille est de pouvoir faire lever de ce peu des choses, les images somptueuses tirées de tout le passé des images des hommes. 

 La mise en scène réussit à nous faire voir la revanche invisible des filles de caisse. Leur frustration engendre un réel dense et tranchant où les maris bien qu'ils soient des ânes, ont les rêves de Paris. Les vieillards ont les rêves du roi Lear, les rêves de tous les rois: faire du monde un jeu de jouets, et où le pire danger n'est pas d'être abolie dans les demandes mécaniques du haut parleur, mais de s'effacer dans son propre miroir, le danger d'être absorbée par son image. 

 Avec une grande élégance de gestes, les demoiselles se paient le luxe du danger métaphysique.

 Exclues d'une communauté humaine réduite au cancanage comique sur "la Duvolet" ou à la protestation inutile "Qu'ils ne nous refassent pas ce coup-là!", elles ouvrent tout grand la porte de la communauté inépuisable des images et des mythes, où des sirènes de treize ans tentent Noé, où des anges devenus ceux de la destruction sont très industriellement capables de matérialiser l'expression proverbiale: "Vider la mer de ses poissons"! L'entrepôt désaffecté par la nuit nous montre alors brusquement et sans aucun "effet" le monde joyeux et terrifiant de la tuerie. Sous les yeux devenus visionnaires des demoiselles de supermarché juchées sur leurs tabourets qui sont les promontoires du désastre, l'arche flotte silencieusement dans un désert liquide. Est-ce la fin du monde? 

 Mais le seau que ramène Chem, le fils de Noé, est encore plein de bestioles primaires qui deviendront un jour des poissons. La pièce s'achève avec ce rire du rêve: On n'en finit pas si facilement avec la vie. »

« Rêves d'échappées belles. » L'Humanité . Jean-Pierre LEONARDINI 

« Encore un Allemand, lui aussi né à l’Est, avec Lothar Trolle, auteur des 81 minutes de Mademoiselle A.. pièce créée au Festival d'Avignon par Michel Raskine il y a quelques années. 

 Anne Sicco, qui fonda en 1976 aux côtés de Marcel Marceau, l'École internationale de mimodrame à Paris en propose aujourd'hui une autre version scénique. Dans le texte. Mademoiselle A. caissière de supermarché est une et plusieurs, plus précisément sept (y compris femme de ménage et/ou vendeuse au rayon boucherie). Raskine avait choisi que toutes s'incarnent. 

 L'effectif d'Anne Sicco est réduit deux hommes (Olivier Copin. Christophe Seval) et deux jeunes femmes (Aurélia Marceau, Louison Pochat). A eux reviennent en général les didascalies, l'annonce des situations, l'exposé des motifs (sauf quand l'un coiffe une perruque, se fait femme un court moment) et à elles l'illustration charnelle, en quelque sorte, du dire du poète. Oeuvre prégnante, insolite, les 81 minutes de Mademoiselle A. envisagent, purement et simplement, que les vestales forcées de la marchandise étoffent leur imaginaire vers le haut, soit en se voyant en Léda prise par Zeus déguisé en cygne, soit en roi Lear en jupon tenté de réécrire son histoire, ou en Bardot dans le Mépris de Godard -ou encore disent du William Carlos Williams ou de l'Antonio Machado, tandis qu'à la fin elles inventent, à leur usage d'anges, une parodie du Livre de Noé, issu de l’Ancien Testament... L'oeuvre tient sa validité énigmatique de la condition prosaïque de ces femmes, confrontée à des envolées d'ordre poétique qui les font autres, les ennoblissent par éclair, les extirpent de leur condition servile. La pièce fraye un chemin d'utopie, prend à rebrousse-poil la prétendue force des choses. 

 L'aspect dansé du spectacle, l'agilité des interprètes, parfaitement régis, font tout le prix de cette mise en scène subtile, qui invente d'harmonieuses solutions plastiques aptes à magnifier cet univers des rêves d'échappées belles. »

Une autre création du monde Hilda INDERWILDI et Catherine MAZELLIER-GRUNBECK . / Critiques . Université de Toulouse-Le Mirail

 Dans la mise en scène d'Anne Sicco,la distribution des 81 minutes de Mademoiselle A., pièce conçue à l'origine pour sept actrices, est confiée à deux couples d'acteurs, également prometteurs : l'un féminin (Aurélia Marceau, Louison Pochat), l'autre masculin (Olivier Copin, Christophe Seval); l'un pour incarner toutes les mesdemoiselles A. de la terre, l'autre pour énoncer les didascalies et les commentaires d'un dramaturge omniprésent. 

 Anne Sicco n'a pas fait le choix d'une voix off, mais de deux hommes portant chapeau et costume gris, à la fois discrets et solennels, qui renouent avec la tradition du choeur antique, annoncent les entrées en scène, plantent le décor, compriment le temps, ouvrent la possibilité de représenter le virtuel et martèlent d'un coup de baguette métallique le rythme sans fantaisie du monde du travail.

Ce choix facilite la compréhension de la syntaxe enchevêtrée du texte de Trolle, apporte un contrepoint masculin à l'univers éminemment féminin des caissières de supermarché, autorise un jeu de travestissement à la fois comique et fidèle, par sa symbolique, à la métaphore du miroir, de l'autre multiple et diffracté, qui sous-tend la pièce, et fait basculer le discours du masculin au féminin: dans le déluge final, ce sont les femmes qui reprennent à leur compte le fil de la narration, le discours fondateur de sens, pour diriger une autre création du monde, plus soucieuse de questions concrètes, qui a pris toute la mesure de la détresse humaine, comme le vieux roi Lear déchu. Une seule actrice joue ici plusieurs facettes du roi Lear, plusieurs compositions qui sont autant de morceaux de bravoure. 

 Cette ré-appropriation du discours est aussi celle du metteur en scène, une femme en l'occurrence. Le renversement ainsi opéré fait écho au sous-titre envisagé par Trolle pour sa pièce: Et Anna créa le monde une seconde fois (Annas zweite Erschaffung der Welt). Il souligne la confusion des genres (féminin / masculin, singulier / pluriel) et des mondes (réel / imaginaire, individuel / archétypal).

Une pièce sociale?

 On peut trouver chez Trolle la dénonciation d'une activité mécanique peu épanouissante et traitée avec mépris par la voix dans le haut-parleur, qui tient à sa merci le petit peuple des caissières, marionnettes qui obéissent à la baguette du maître de cérémonie, marchent du même pas, répètent les mêmes gestes, soupirent en cour au moment de reprendre leur service et arborent des accessoires interchangeables (chaussures et sacs à main) de midinettes.

Mais on est loin du didactisme d'un Brecht, dans la mesure où le discours est relayé par des tableaux chorégraphiques, où le ballet des acteurs mêle à la gestuelle expressionniste le rythme enlevé de la comédie musicale et la satire populaire du Volksstück, émaillée de dialogues comiques en dialecte. Pas de dénonciation pesante et culpabilisante donc, mais un humour poétique qui traverse même les scènes oniriques. 

 On sent des affinités électives entre auteur et metteur en scène dans leur représentation de l'imaginaire poétique. Aime Sicco réussit à tenir la balance entre la réalité du supermarché et le glissement salvifique vers les mythes fondateurs de l'humanité : Léda, Noé, Ulysse et les sirènes, Perséphone, sont autant d'archétypes auxquels peuvent s'identifier les caissières anonymes. Ils sont le reflet dans le miroir à trois faces, le double jalousé dans la psyché des personnages, l'image douée de vie.

Trolle revisite les mythes dans la continuité de son maître Heiner Muller. 

 La mise en scène relie toujours habilement le discours mythique au quotidien des caissières : la remarque de Noé «Manquait plus que ça » est placée dans la bouche d'un petit chef en blouse, les anges-gardiens du déluge qui viennent sauver les habitants de l'arche en dépeçant les requins alentour ont les traits de caissières vengeresses, et la scène finale du déluge, rajoutée par Anne Sicco pour garder le lien avec le thème principal, est en forme de clin d'oeil : les deux actrices, campées sur les armoires métalliques qu'elles ont annexées à leur monde, laissent s'échapper de leur petit sac à main kitch, promu au rang de sablier, le sable de la Création.

Le décor, par sa sobriété et la prédominance de couleurs sombres, peut évoquer tout aussi bien le local du personnel dans un supermarché que les coulisses du théâtre (son envers), mais aussi le grand chaos originel, d'où surgiront progressivement la lumière, le logos, au risque pour les personnages de se voir engloutis sous le flot de leurs propres paroles. Le texte se clôt sur un déluge verbal. Le Verbe au commencement et à la fin. La mise en scène, elle, a le dernier mot.

« Nouvelles 31 » Gilbert BAQUE.

Même si l'on s'en réjouit, on ne peut rendre Jean-Luc Godard seul responsable de la 'mise en abîme" -(le mot est d'Anne Sicco)- du cinéma. Encore moins l'impliquer dans la déstructuration qui s'opère aujourd'hui dans l'esthétique du théâtre.

Mais ce dont on peut se féliciter, c'est que grâce à lui les spectateurs, des salles obscures comme de la scène, ont conquis le droit.à la perplexité. Anne Sicco l'accepte: le plus roué des critiques ne peut que s'avouer désorienté devant les "81 minutes de Mademoiselle A." de Lothar Trolle, même s'il en apprécie d'autant plus l'adaptation et la mise en scène.

Défaisant les noeuds de cette tapisserie, il n'est donc pas incongru de préférer, aux images par trop embrouillées des dernières scènes, la claire "mise au point" qui, dès l'introduction, donne au jeu d'Olivier Copin et de Christophe Seval, à la scénographie adoptée et au décor, un ton et un parfum très brechtiens: réalisme, distanciation, recours évident à l'intelligence du spectateur...

 Caissières dans un supermarché, les "demoiselles A.", unes et multiples à la fois, trouvent, pour quelques minutes seulement, refuge et relative liberté dans le local réservé au personnel. Coulisses où elles ourdissent méthodiquement et passionnément leur revanche sur l'esclavage des tiroirs-caisses, des codes-barres, des clients, sur l'étouffante humiliation quotidienne...

 Témoins fatigués d'un monde déshumanisé dont elles ne peuvent que rêver la fin, elles se créent un univers hétéroclite et merveilleux de légendes réinventées, de mythes retrouvés, d'enfance reconquise, de poésie...

Dans cet “envers du théâtre", dans cette face cachée de la vie, où les caissières-"anges" s'abîment dans leurs “créations", tout est désormais permis. Lothar Trolle et Anne Sicco -(on ne peut les séparer)- ne s'en privent pas, qui s'approprient, ironique et significatif clin d'oeil, deux des scènes- cultes empruntées au "Mépris" ...de jean-Luc Godard. Avec, surtout, et parfaitement maîtrisée, la mise en pratique d’une conception neuve du théâtre: montage sec, plans-séquences, collages d'images fixes et de sons, tableaux muets et comme figés dans une sorte de fascinant mimodrame .... 

 Ce qui nous rappelle que la compagnie “L'Oeil du Silence” d'Anne Sicco doit le meilleur de son art à la pantomime, au maître Marcel Marceau, et à une expérience déjà longue de “théâtre de terrain" dont on connaît fort peu d'exemples en France.

Du mythe reconstruit de Léda et de ses amours avec le cygne-Zeus, au Roi Lear, en passant par Noé, le Déluge ...et les Sirènes, sans oublier le symbole du miroir et de l'image double que chacun de nous présente au monde, et aux autres, les “81 minutes de Mademoiselle A." couvrent dans le temps et l'espace un registre théâtral dont les acteurs, et les deux actrices Aurélia Marceau et Louison Pochat, assument superbement l'audacieux parcours.

Caissière et "ange" qui refuse son aliénation et accède, malgré tout, au rôle d'héroïne de légende ...et de théâtre, Mademoiselle A. nous offre, en fin de compte, une tonique leçon d'optimismes et d'humanité. 

« La Marseillaise » Pierre GALAUD

 Il n'est pas très facile d'entrer dans l'univers de Lothar Trolle, par bonheur le théâtre est là qui nous en facilite l'accès par la bienveillante interprétation des réalisateurs. 

 Le décor, comme un film en noir et blanc, nous installe dans le vestiaire foyer d'un super marché. L'autre coté du mur, inaccessible aux consommateurs.Là, deux personnages gris comme le décor qui les entoure, «anges» sortis tout droit des ailes du désir de Wim Wenders, nourrissent les didascalies. Chefs d'orchestre des mouvements de scène, ils ponctuent le texte de soupirs et silences qui ont effet de figer pour un instant, sous la baguette, les personnages en mouvement.

 Les «mademoiselle» A ou B ou C... sont des caissières. Les 8 h 30 de travail journalier sont inéluctablement codifiées par un haut-parleur anonyme d'une autorité pressante. Ni l'aspect rébarbatif du vestiaire, ni le temps de repos minuté par la sacro-sainte rentabilité ne prédispose au rêve. De ces corps enserrés dans ce réel pitoyable autant qu'impitoyable s'échappent pourtant des songes étranges, insolites et magiques puisant leur source dans le cinéma, le théâtre ou la genèse, passant d'une conception mâtinée de Godard à un invraisemblable roi Lear pour terminer leur cycle de rêverie dans une fantastique translation du déluge. Le petit miroir au-dessus du lavabo devient magique et sert de porte ouverte sur l'irréel. La fuite vers l'imaginaire devient l'unique moyen d'autodéfense, une possibilité originale de sauvegarder une apparence de vie privée. La part du rêve !... la part des anges!

Ce texte de Lothar Trolle est le pendant moderne de l'esprit brechtien, il faudrait l'entendre et le réentendre pour en tirer toute la substance, toute l'exubérance des savoirs. Il ne se livrera pas tout seul. Comme les vins complexes, il faut aller à sa rencontre, aller chercher sa richesse sous ses aspects les plus dissimulés.

Quatre comédiens assurent avec habileté leur rôle incommode. Une gestuelle précise, fortement empreinte de l'art du mime, canalise et soutient leur effort. Tour à tour maîtres de cérémonie ou acteurs dépendants de la force du rêve, ils passent avec beaucoup d'aisance d'une fonction à l'autre. De très beaux moments comme le piano imaginaire, ajoute à la richesse d'un texte un peu fou, imagé et sensible, marqué de poésie, mais tellement actuel. 

 Un texte truffé de références qu'Anne Sicco enrichit de ses propres perceptions nous rendant ainsi audibles les fantaisies consistantes de Lothar Trolle. 

 Un spectacle très loin des clichés habituels et des trop nombreuses facéties du festival. 

 A voir absolument. 

Cécile BROCHARD . FLASH de Toulouse 

 Anne Sicco est une drôle d'artiste. Nomade, elle a planté ses compagnies un peu partout dans les pays d'Europe, longtemps à Paris aussi où elle fut fondatrice de l'Ecole internationale du Mimodrame en 76 avec le mime Marceau, et aujourd'hui dans son Lot natal où elle n'en finit pas d'explorer les ressources théâtrales du silence et de la lenteur avec de jeunes acteurs venu du monde entier. Volubile sur son travail, elle respire l'intelligence chaleureuse de qui s'éclate aujourd'hui à mettre en scène un auteur allemand réputé exigeant, Lothar Trolle. D'un texte compact, à l'écriture dense, où les respirations s'organisent seulement autour de quelques barres de ponctuation salvatrices, A. Sicco extrait comme un suc précieux 81 minutes de poésie gracile. 

 Mademoiselle A est «ange-caissière» dans un minable supermarché. Ange, parce que, de son quotidien laborieux, elle distille dans le local du personnel des instants magiques et oniriques volés à la pointeuse. Petite, mais ô combien symbolique, résistance de l'esprit au rouleau compresseur du profit et de l'aliénation mercantile. 

 A découvrir...

 "Parce que je suis intéressé par le théâtre, je peux presque toujours fournir seulement la question." Lothar Trolle 

Lothar Trolle s’inscrit dans une lignée d’auteurs allemands dont on pourrait dire qu’ils écrivent contre le théâtre. En fait, Lothar Trolle, dans son écriture tend des pièges au théâtre pour l’inviter à se réinterroger sur ses moyens et ses fins en refusant le théâtre dialogué, en mettant ses espoirs dans le chœur (qui ne nie pas les individus pour autant). ‘Hermès dans la ville’ par exemple est écrit à partir de faits divers réels : vol, viols, petite criminalité. Trolle fait de la poésie à partir de la prose des journaux. Tout est à inventer à partir de cette écriture : personnages, lieux, jeu.

 Interroger le théâtre, un art archaïque sur quelques pistes d’avenir. 

 Maurice Taszman

LA NUIT VIENT COMME ON ETEINT UNE LAMPE

[textes.objets.images.et petits corps silencieux] 

 

Hypothèse 1

 mise en scène / costumes Anne SICCO
scénographie. lumières. paysage sonore François KLÈRE 

 avec Olivier COPIN, Aurélia MARCEAU, Christophe SEVAL 

Anne Sicco et la compagnie L’Oeil du Silence souhaitent vous accueillir aux Docks à l’occasion de la création de “La nuit vient comme on éteint une lampe”, 1ère hypothèse élaborée autour de l’écriture d’Howard Barker et Harold Pinter. 

Après une première phase de construction déjà très aboutie qui renoue avec la performance et la force dramatique du silence et des corps afin de “préparer le lit des mots”, cette invenzione politique insère et met face à face 5 textes d’ Howard Barker et de Harold Pinter 

Howard Barker
13 Objets [Etudes sur la servitude]
“Une pelle solitaire (une pelle)”, “Ce que dit un jouet (un hochet)” et “Les cendres d’un poète (une urne)”
Harold Pinter
La Guerre

L’EXPRESS 

Théâtre / Anne Sicco

Aux antipodes d’un théâtre bavard et racoleur, les premières créations de cette ex-enseignante à l’École du mime Marceau lui donnent une place à part dans le spectacle vivant. En 1986, elle décentralise sa compagnie, L’Oeil du Silence, à Anglars-Juillac, près de Cahors, où elle est née en 1951. Depuis, Anne Sicco explore le langage du corps et le rapport au texte avec ses comédiens fétiches : Olivier Copin, Aurélia Marceau et Christophe Seval, David Chevalier et le scénographe François Klère. Son école d’acteurs, pôle régional de formation professionnelle, constitue une référence en la matière. 

En mai, elle présente un travail expérimental autour de textes anglais singuliers du XXIème siècle, tandis que ses Miroirs de La Fontaine poursuivent une tournée hexagonale. Histoire de “redonner aux gens le goût de la recherche autour des mots”.

L.D.

TÉMOIGNAGE 

 “Souvenir de la nuit du 3, quand le silence retentit plus fort que les mots."

 La nuit - rêves des trépassés

 passants

 des souffles inconnus

 Pleins de spectres masqués et de cadavres nus.

Victor HUGO (Fragments)

Le poète allemand Novalis comparait le monde moderne au tic-tac d'un monstrueux moulin. Se serait-il tu le 3 juin 2005 au Domaine d'Anglars - Juillac pour laisser vibrer à la nuit la voix qui restitue son secret colloque - cette voix qui résonne, fraye avec l'inconnu, l'immensité, l'inadvenu ou si loin, empêchée, impossible vient à manquer ?

Dans le cadre de la 8ème édition des Chantiers de l'Acteur et des Ecritures, Anne SICCO donnait à voir et à entendre avec” La nuit vient comme on éteint une lampe” une exploration émouvante de l'imaginaire dédiée au dramaturge Howard BARKER. La mise en scène d'une esthétique des corps et de l'espace, d'un silence bruissant de présences invisibles et ponctué par la force des mots, fait de ce spectacle hors du temps et dans le temps une œuvre singulière et bouleversante pour le spectateur qui oscille entre le vide et l'événement, l'absence et la présence. 

Fasciné - mais non captif - par l'intelligence du metteur en scène, celui qui s'est assis sur les gradins, a dans sa simplicité première le sentiment de l'existence qui le fait frémir et lui donne à penser que le théâtre est un art éminemment politique, difficile et exigeant. Trois planches - ici du sable - , un être - trois comédiens - , un poème - une parole présente ou absente dans l'espace et il se passe quelque chose : une communauté naît, grandit, celle de "l'agon" des Grecs - du conflit avec soi, avec l'autre. Au terme du parcours aucune certitude mais d'innombrables doutes qui assaillent, une façon certainement de se protéger de la folie de croire savoir, et de conserver sa liberté de penser toute chose et son contraire.

Là-bas, la nuit mugit, tout là-bas, à l'autre extrémité du temps.” 

 Marie-Christine Rigal

« Macbeth and Lady. Chronique d’un couple au pouvoir » 

Textes de William Shakespeare Traductions : Jean Gillibert . Anne Sicco 

 Adaptation. dramaturgie. mise en scène: Anne Sicco 

 Scénographie Lumière: François Klère 

 avec:
Olivier Copin dans le rôle de Macbeth
Aurélia Marceau dans le rôle de Lady Macbeth

 

 Christophe Seval dans le rôle du passeur, du narrateur et du criminel 

 Carol et Douglas Lamont dans le rôle des lecteurs anglais 

 

Le jeu est en langue française, ponctué par des fragments dans la langue de Shakespeare avec accent écossais. 

une des signatures de William SHAKESPEARE 

 « Brise et ruine d’abord ce monde, nous verrons si l’autre surgit ensuite » Goethe /Faust 

L’HISTOIRE 

 Macbeth, chevalier haut gradé, croise des sorcières qui lui prédisent qu’il sera roi. Avant même d’avoir revu sa femme, il nous laisse deviner qu’il est prêt à tout, jusqu’au régicide. Dopé par sa femme, il assassine son souverain pour accéder au trône. 

 Il devient un tyran déchiré et illuminé que la soif de puissance absolue et de révélation dans la mort mènera à sa perte: son royaume s’effrite, la plupart de ses sujets rejoignent la rébellion; à sa cour ne reste que les pleutres, les flagorneurs et les arrivistes de triste envergure..... 

 Elle, se suicide en un envol mortel. 

 Lui, finit décapité la tête plantée au bout d’une lance après avoir appelé de ses voeux l’apocalypse

On pourrait être dans une série américaine mais on est chez Shakespeare, dramaturge poète féconds et libres penseurs. 

 Il y a dans Macbeth, un aspect primitif, mélange de matière boueuse, de fourrures grossières, de métal, de murs ruisselants. L'idée d'une représentation académique serait une absurdité, « un non-sens total » dirait Orson Welles. L'Espace Appia offre un cadre idéal à sa représentation. 

 

 “Demain puis demain puis demain glisse à petits pas de jour en jour jusqu'à l'ultime syllabe du registre des temps. Et tous nos "hier" ont éclairé pour les fous le chemin de la mort poussiéreuse. Éteins-toi, éteins-toi chandelle fugace, la vie n'est qu'une ombre qui marche, un pauvre acteur qui s'agite un moment sur la scène et ensuite n'est plus entendu. C'est une histoire racontée par un idiot, pleine de bruit et de fureur et qui ne signifie rien. 

 Je commence à être fatigué du soleil et souhaite à présent que l'état du monde soit détruit. Venez vents, venez destruction!” 

 Un tyran coupait jadis d'un coup de canne, en se promenant dans ses jardins, tous les pavots dont la tête dépassait celle des autres, et disait: “il en sera de mon peuple comme de ces fleurs; je veux qu'aucun front ne s'élève.” 

Points de vue, Inspirations, rapprochements, études extraits du cahier dramaturgique de Anne Sicco© Mes notes de travail, brouillons poétiques. extraits Dès le début de Macbeth, tous les repères sont brouillés: l'Ecosse est en guerre civile dans un monde en crise morale, politique et philosophique. Les êtres humains chassent en horde, ils courent à travers les déserts, hurlant dans l'immensité sauvage. 

 Comment accéder illégalement au pouvoir monarchique? Comment jouir éternellement du pouvoir? 

MACBETH & LADY : Chronique d'une ascension et d'une chute. Récit d'une introspection. Agitation vitale et mortelle. Puissance démentielle du désir de Pouvoir. Désordres et Illuminations. Décombres de soi. Drôle d'histoire! 

 Un pouvoir criminel expéditif au service d'un monde de soumission se construit. Les infanticides côtoient les félonies politiques sous une image publique respectable et séduisante: luxe, art du paraître, rêverie de grandeur cotoient la manipulation, le crime et les puissances occultes... 

Le couple manie la mort, lui en spécialiste, elle en apprenti. 

Sang et puissance les stimulent. . Mépris pour les victimes et pour les êtres “inférieurs”. Union funeste. Attraction irrépressible et momentanée de deux corps finalement désaccordés.
Copulation et chute. 

Il y a aussi en Macbeth, pièce et personnage, un aspect primitif, mélange de matières boueuses, de fourrures grossières, de métal, de murs ruisselants. 

Dans la lande pierreuse et brumeuse d'Écosse, une fureur sacrée anime l'homme en quête d'absolu, connu dans la mythologie Blakienne, « avançant comme un feu dévorant, brûlant tout autour de lui» : énergie primordiale libérée, anéantissant tout ce qui peut être anéanti dans cette volonté surhumaine d'assumer la “Manifestation” en son entier, jusque dans ses formes les plus ténébreuses, afin de conjurer à jamais l'empire maléfique de l'opacité. 

Gestation, Traversée et Révélation. 

 Mais le preux guerrier se féminise, malade comme Rimbaud de la nuit qui rapportera l'insomnie perpétuelle: « Macbeth à tué le sommeil, Macbeth ne dormira plus jamais ». 

 « Le sombre est clair, le clair est sombre » répètent les sorcières. 

Dans ce monde à l'envers l'homme a radicalement perdu le nord, condamné, tels les habitants du Royaume des Morts de l'Égypte ancienne, à marcher sur le plafond de la caverne, la tête en bas.
Il se pense vivant alors qu'il n'est qu'un cadavre en putréfaction et vice versa. 

 Reflet inversé. Polarité contraire. Court circuit terminal . 

 Macbeth croit pouvoir ressurgir du chaos, invincible. Il réclame son armure et les virils attributs du guerrier renaissant. Il finit décapité la tête plantée au bout d'une lance après avoir appelé de ses voeux l'apocalypse: “Venez vents, venez destruction”. 

ELLE, LA LADY, à se jeter dans le monde des hommes, avait rêvé du grand opéra de la toute puissance; elle ne rencontre qu'une vitre transparente qui donne sur sa propre horreur.

Bloc fragile de désir et de détermination lancé à l'assaut d'une forteresse imprenable. Triple Déchéance : solitude, vide et punition. 

 Que veut la femme? 

Dès le début du premier acte elle représente l'expression parfaite de la machine à manipulation. Mère mauvaise étrangement inquiétante, ventre vide, femme hypnotique et trompeuse, qui a du flair, de l'intuition. Une femelle virilisée: « Venez, venez, esprits qui assistez les pensées meurtrières ! Débarrassez moi de mon sexe! » 

C'est bien dans cette perspective “non subversive” que Shakespeare nous présente une Lady virilisée, non tueuse en acte ("S'il n'eût pas ressemblé à mon père endormi, je m'en serais chargée") mais monstrueuse par ses pensées criminelles et ses méthodes d'incitation, souhaitant des accouplements bestiaux qui la “comblerait” :“Soyez plus qu'un homme, vous n'en serez que plus homme” . 

Lady Macbeth voulait accéder au pouvoir, au trône, par son mari; il fallait se débarrasser de l'ancien Roi, elle participe donc au piège mortel: accomplissement.

Une fois Reine, tout ses désirs tendent vers le seul plaisir du pouvoir, le vertige du pouvoir : honneur luxe et beauté! Faire, comme le font aujourd'hui les chefs d'État et les les descendantEs des grandes familles industrielles ou aristocratiques ayant survécu aux différents krachs boursiers, les Agnelli ou les Rothschild : un Paris-New York pour aller chez le meilleur coiffeur de Manhattan ou un Marrakech-Sydney pour déguster du kangourou, puis s'envoler pour un vernissage à Acapulco. Savoir être élégante, parfois arrogante, avoir du style, parler des choses futiles avec gravité. En un mot, être impérativement superficielle. (« Lissez votre apparence rugueuse, soyez ce soir brillant et jovial parmi vos invités »). 

 Mais, au bout du compte, la Lady s'ennuie : » On ne possède plus rien quand notre désir est assouvi sans nous satisfaire ».

Le vide qu'elle espérait combler s'approfondit. La Reine Lady s'affaisse, la Reine Lady s'affale, la Reine Lady décroche. 

 Elle s'effondre enfin dans un mouvement vivant dont elle s'est détachée, avec lequel désormais elle ne se confond plus, manipulée par un mari ne s'adonnant plus qu'à un jeu de miroirs magnétiques et solitaires partant à l'infini.... jusqu'à ce que le corps tâché à jamais d'un sang coupable soit enfin rendu à une féminité normale par ces » menstrues »; qu’il finisse par expier et disparaître; ou pire, subsister comme indication, faute ou trace.... 

Femme ratée, raturée par Shakespeare. 

ELLE et LUI : ÉCRITURES CROISÉES. 

Travail minutieux d'élucidation de l'œuvre, de traduction, et de sa projection scénique selon les principes chers à Adolphe Appia : ActeurE, Espace, Lumière.

Délaisser le personnage de la Lady (comme on a coutume de le faire dans l'analyse comme dans la représentation) est une grossière erreur, aurait pu dire Michelangelo Antonioni, réalisateur de la Notte, ou Fassbinder. 

Tous trois ont été mes guides dans un travail d'approche « en gros plan » des personnages et dans mon choix du découpage des scènes et des dialogues. 

Cette création s'inscrit dans la lignée de tous mes travaux d'expérimentation sur l'application au théâtre (et sans trucage) des éléments constitutifs de la technique cinématographique (cut, fondu au noir, ralenti, montage en séquences rythmiques, doublage, changements de plan, plans séquence, gros plan/ hors champ, espace libre / espace occupé, intérieur/extérieur ) et plus largement des découvertes scientifiques sur notre comportement (européen) visuel et auditif. 

La singularité de cette proposition consiste également:

-en la cohabitation de deux espaces distincts mais poreux : l'espace du texte (lecteurs, jardin) et celui de la scène (acteurs, cour)

-en la création de la figure du lecteur, médiateur, observateur, « passeur » du dramaturge.
Recherche d'une nouvelle distanciation. 

 Enfin, Introduction vivante et en direct du texte anglais . 

La direction d'acteurE porte particulièrement sur l'intégration de tous ces éléments ainsi que sur la notion de « réduction » et non « d'amplification », pour libérer le sens. Travail minutieux, généreux et serré des acteurEs pour ouvrir les perspectives. 

Fabrication d’une bande son que j'appelle le « hors champ » de la représentation. 

Miroirs de La Fontaine. Variations sur treize fables Adaptation. mise en scène. dramaturgies corporelles et visuelles. Anne Sicco

Ah si j’avais pu peindre seulement un tout petit roseau, 

 Qu’on aurait mis dans la main d’un passant bleu 

 Au fond d’un tableau de Chagall.” Louis Aragon

On peut certes lire La Fontaine avec les yeux de Thomas Hobbes dans les lumières noires de sa philosophie, résumée dans la formule célèbre “L’homme est un loup pour l’Homme”. Mais Hobbes, philosophe du pessimisme, n’est pas La Fontaine, le poète satirique et légendaire des fables. Aux leçons terrifiantes du penseur, le fabuliste oppose sa recherche constante “d’instruire en amusant”, d’éveiller par le rire la conscience des hommes, des plus humbles aux plus éclairés. 

 Si La Fontaine déclenche sa satire la plus rude contre tous ces frelons de Haute Cour Versaillaise qui bourdonnent autour du roi tout puissant, l’enlacent de toutes les flagorneries et des flatteries possibles, c’est qu’ils pompent généreusement en parasites de la nation toutes les richesses accumulées par le travail et la sueur des pauvres et des opprimés. 

 Cependant, comment vivre sous le règne de la force, de la lutte du “pot de terre” contre le “pot de fer” ? Comment vivre dans cet immense réseau de forces et d’aspirations contraires? Comment supporter humainement tant d’aliénations inhumaines ? Comment vivre sous la loi du Talion ? 

 Dans ce monde de pouvoir absolu, tout échange est impossible. Le conflit se dénoue dans l’injustice, la spoliation ou l’élimination. Et quand se déchaînent ces grands fléaux qui ravagent les campagnes, la famine, la guerre, la peste c’est alors le temps du “manger ou être mangé”, le temps du vivre et du survivre, le temps de la mort qui plane. 

 Il y a toujours dans cette société d’oppression un faible à éliminer, un perdant à nier l’ existence.
Le miroir tournant des fables, avec tout ses glissements d’images ses doubles sens, ses ambiguïtés morales, nous éclaire sur toutes ces réalités cruelles et dévastatrices de l’époque. Mais il suscite en même temps la compassion du lecteur, éveille adroitement son indignation, l’encourage à réagir. 

 La Fontaine s’adresse à tous les hommes, aux peuples des villes et des champs comme à ceux des salons de la plus haute culture. Par le plaisir conjoint du parler populaire et d’une ingénieuse construction labyrinthique de la langue en trompe-l'oeil, jouant à la fois sur le clavier de la feinte et sur celui de la couleur, La Fontaine poète avance masqué. Il n’a pas d’autre choix au temps de la censure royale. 

 “Parler de loin, ou bien se taire.... D’ailleurs que craignez vous ? Je parle pour les enfants”. 

 En réalité l’amusante comédie humaine animalière est chargée d’explosifs. La Fontaine utilise la ruse, le déguisement: délocalisation des mœurs, transfert sur le monde animal.

“Mais -nous prévient La Fontaine- tout parle en mon ouvrage et même les poissons s’adressent à tous les hommes”. 

 A travers le prisme des fables, c’est toute la comédie du siècle qui défile. Le tour est joué, la vérité parle à l’insu du régime .

Chaque facette de l’oeuvre est construite comme le temps fulgurant d’un acte 

 de théâtre avec prologue, situation de conflit, résolution, sentence morale. Il n’y a pas dans les fables de structures binaires manichéennes de dichotomies artificielles entre bons et méchants, faibles et forts, puissants et misérables. L’oeuvre de La Fontaine appelle certes sa lecture et sa mise en bouche traditionnelle, mais aussi une interprétation scénique capable de provoquer la même empathie du poète à l’égard des bêtes, des plantes, et de la nature. 

 “La Fontaine a le sens du vol et de la chaleur animale” disait Giraudoux. 

 Ajoutons y le génie de transposer sa vision poétique, sa fabuleuse imagerie en vérités profondes. De tous temps peintres et poètes ont prouvé la véhémence dont était capable la culture contre le cynisme politique, l’injustice et la cruauté. Pour mon point de vue, être fidèle à La Fontaine c’est aussi partager son dernier cri contre “Les aveugles” qui vivent au royaume de l’illusion de leur toute puissance éternelle qui “passent à côté de la vie, qui s’oublient dans les honneurs, les gains, les flatteries”. 

 Toute cette société du spectacle d’alors, futile, vaine, carnivore, enivrée de jeux, de fêtes, de richesses et de cruautés, et vivant dans la bulle hors du temps d’un pouvoir absolu. 

 “Vous êtes vous connus dans le monde habité Vous ne vous voyez point, vous ne voyez personne Cette leçon sera la fin de ces fables Puissent-t elles être utiles pour les siècles avenir.” 

 Quelques siècles plus tard, reprenant le flambeau, le poète Adonis écrira: 

 “J’invite aujourd’hui le loup pour qu’il lave le miroir des moutons qui ont oublié leur image” A.S

 Critiques La Montagne/Cantal

 Prouesses visuelles et scéniques animent les fables

 D’excellents comédiens, une mise en scène remarquable, le sel des fables de La Fontaine : tout pour une soirée théâtre de rêve.

La compagnie l’Oeil du Silence, Anne Sicco, dramaturge, metteur en scène, et ses trois comédiens, donnent en un langages merveilleux des variations de treize fables de La Fontaine, dans “Miroirs de La Fontaine”. Hier, au théâtre d’Aurillac, la compagnie a joué à guichets fermés ; les trois cent soixante spectateurs ont savouré d’entrée la finesse du rire et le cruel mordant du fabuliste du XVIIème siècle.

Dans ses célèbres fables, le poète La Fontaine déclenche sa satire contre les parasites de la cour de Versailles. Il avance sous le masque de la transposition animale, la censure royale étant absolue comme le pouvoir de l’époque. Le fabuliste poète cherche avant tout à “instruire en amusant”, à “éveiller les consciences, des plus humbles jusqu’aux lettrés”.

Le miroir tournant des fables, avec ses glissements d’images, ses doubles sens, éclaire sur toutes les réalités cruelles et dévastatrices de l’époque. Finement, il suscite aussi la compassion, éveille l’indignation. Dès lors, l’oeuvre de La Fontaine appelle une interprétation scénique capable de provoquer “la même empathie du poète à l’égard des poètes, des plantes, de la nature”.

Nous sommes au cœur de la perception de l’Oeil du Silence, réinventé magistralement et ingénieusement. Les masquent tombent, les rôles s’inversent et notre appréhension d’un voyage imaginaire incurve la logique initiale. Car les acteurs apparaissent dans une ”seconde peau”, celles de leurs personnages à plumes et à poils. Ils nous donnent l’impression de voir des animaux à masques d’hommes et non des hommes déguisés en animaux. Une telle prouesse relève autant d’une excellente qualité d’interprétation que de sens profond de la mise en scène.

 Les trois acteurs nous offrent une remarquable pantomime et une superbe maîtrise de l’élocution. Tantôt lion, tantôt loup, ou à la fois rat, corbeau, agneau, ils subliment un désopilant concert de grenouilles. Sur un rythme modulé, dans la lumière d’une forêt nimbée, les admirables jeux de scènes des comédiens renvoient au mystère, à la poésie.

« Les nouveaux miroirs de La Fontaine. 

Ou la raison des muses » 

Adaptation. mise en scène. dramaturgies corporelles et visuelles. Anne Sicco

Ce spectacle bénéficie de 

Aide à la création de Drac Midi-Pyrénées Conseil Régional Midi-Pyrénées Conseil Général du Lot 

& 

“Aide à la diffusion” du Conseil Régional Midi-Pyrénées 

Domaine d'Anglars 4614O Anglars-Juillac
Tél: O5 65 36 23 76 - Courriel: contact@loeildusilence.com 

Les Nouveaux Miroirs de La Fontaine 

(création nationale/diffusion) 

textes: Marguerite Duras 

fragment d’ Écrire 

Jean de La Fontaine 9 fables 

Les animaux malades de la peste Les obsèques de la Lionne La Mouche et la Fourmi Le Renard et les Poulets Le Coq et le Renard Le Loup et le Chien Le chêne et le roseau Le loup et la cigogne Le Singe et le Léopard 

adaptation et mise en scène 

Anne Sicco 

Comédien(ne)s 

Olivier Copin, Fabien Casseau, Aurélia Marceau Christophe Seval Julie Alayrac 

Musiques 

Jean-Jacques Lemètre & Giuseppe Tartini. Arvo Part. David Holland. Maurice Ravel. Zoltan Kodaly. François Adrien Boildieu. Philip Glass Compagny. 

Anouar Brahem. Henri Dutilleux 

Scénographie et Conception Lumière paysage sonore François Klère 

Sculpture de la forêt/ travail du métal (création costumes & mobilier) David Chevalier 

 

DURÉE 1 HEURE 10 

Costumes/ accessoires 

Anne Sicco Collectif D3 

ANNE SICCO: NOTES & PARTI-PRIS ARTISTIQUES 

“Je m'avoue, il est vrai, s'il faut parler ainsi Papillon du Parnasse, et semblable aux abeilles À qui le bon Platon compare nos merveilles. Je suis chose légère, et vole à tout sujet ; Je vais de fleur en fleur et d'objet en objet. (...) J'irais plus haut peut-être au temple de Mémoire Si dans un genre seul j'avais usé mes jours ; Mais quoi ! je suis volage en vers comme en amours.” La Fontaine 

Construits autour de 9 nouvelles fables de La Fontaine, initiés par un texte de M. Duras, ces Miroirs suggèrent d'entrée de jeu le principe d'un récit double. La Fontaine s’adresse à tous les hommes, aux peuples des villes et des champs comme à ceux des salons de la plus haute culture. Par le plaisir conjoint du parler populaire et d’une ingénieuse construction labyrinthique de la langue en trompe-l’oeil, jouant à la fois sur le clavier de la feinte et sur celui de la couleur, La Fontaine poète avance masqué. Il n’a pas d’autre choix au temps de la censure royale. A travers le prisme des fables, c’est toute la comédie du siècle qui défile. 

Dans ce monde de pouvoir absolu, tout échange est impossible. Le conflit se dénoue dans l’injustice, la spoliation ou l’élimination. Et quand se déchaînent ces
grands fléaux qui ravagent les campagnes, la famine, la guerre, la peste, c’est alors le temps du “manger ou être mangé”, le temps du vivre et du survivre, le temps de la mort qui plane. Il y a toujours dans cette société d’oppression un faible à éliminer, un perdant à nier l’existence. Le miroir tournant des fables, avec tous ses glissements d’images, ses doubles sens, ses ambiguïtés morales, nous éclaire sur toutes ces réalités cruelles et dévastatrices de l’époque et suscite en même temps la compassion du lecteur, éveille adroitement son indignation, l’encourage à réagir. 

Ces “nouveaux miroirs”s'ancrent dans un fantastique médiéval avec son cortège d’animaux fabuleux et guerriers, loups, ours, lions, cerfs, renards, et son bestiaire populaire et roublard, belettes, fourmis, chats, chiens, singes et volaille... 

Ils développent également le personnage féminin de la p a s s a n t e en s'inspirant de l'Orlando de Virginia Woolf et de différentes figures androgynes crées par les femmes de lettres dans l'Angleterre victorienne. Au fil de leur lectures les deux héroïnes, par transmigrations, cumulent nombre de vies, muent, changent d'apparence et de sexe, disparaissent au détour d'une page . Muses ou déesses, ouvrières, papillons ou archers, elles gardent le souvenir douloureux et amusé de leur divagations. 

Fidèle à mon goût pour la peinture j' incruste dans la toile arbres, branches, armures, guindes, rouages, leviers et petites machineries inventives. 

Les musiques enregistrées puisent aussi bien dans le répertoire classique que contemporain. 

La structure scénographique et les constructions métalliques (cadres, treuils, poulies, machines de théâtre ) s'inspirent des petites invenzione de Léonard de Vinci 

Construit autour de 11 nouvelles fables de La Fontaine, le spectacle entre dans un fantastique médiéval avec son cortège d'animaux fabuleux et guerriers, loups, ours, lions, renards, et son bestiaire populaire et roublard, belettes, fourmis, chats, chiens, singes et volailles… 

 De nouveaux miroirs où les héroïnes androgynes cumulent nombre de vies, mûent, changent d'apparence et disparaissent au détour d'une page… 

 Les constructions métalliques, rouages, poulies, armures, branchages s'inspirent des petites Invenzione de Léonard de Vinci.

Mes notes de travail, brouillons poétiques. extraits 

Obscurcir La Fable...... Laisser y repousser l’herbe sauvage, enlever le lisse pour retrouver le choc du langage , des signes, voyelles et consonnes, percussion des phrases 

 “Imaginer c’est s’absenter, c’est s’enfoncer vers une vie nouvelle” G. Bachelard

Je m’absente en moi-même, comme le minéral , rocher, falaise ou pierre de rivage qui reçoit les vents et les marées, se creuse et se transforme, à l’usure de la corrosion. C’est la langue de l’auteur qui exerce cette corrosion sur moi. On ne ressort jamais intact du contact d’une oeuvre..... mais attention ,Il faut veiller à ce que tout cela ne devienne pas fatal.... fragilité extrême 

 Peut-être aussi nous mange-t-elle pour nous mener jusqu’à la décomposition... seul moyen pour que l’oeuvre écrite renaisse de ses cendres, dans la chair, dans le vivant...

Ronger... Erudition....

Expériences primordiales aussi de retrait absolu. Face....S’effacer ... non par humilité mais pour aller jusqu’aux confins des outres mondes, là où les lignes de démarcation sont les plus floues pour l’intelligence mais les plus aîgues pour les sens, pour la conscience.....
Ne pas classifier les chemins de la découverte, établir des ponts, à nouveau recoudre, faire éternellement ce travail, avec cette seule différence: dans la réalité des choses, coller ou coudre deux pièces indépendantes cela s’appelle un assemblage. Dans la réalité humaine, dans la réalité des femmes cela s’appelle une cicatrice. Recoudre, refaire de l’humain avec les débris du monde…

Chez La Fontaine, il y a du vivant dans les mots, les accordances de sons, dans la ponctuation aussi. La ponctuation crée la vitesse de nos gestes, la densité de nos actes. 

Sortir de la récitation. Ne pas ronronner les phrases/sortir du lisse et du convenu, de la connivence. Rendre à la langue ses ruptures, son instabilité, ses failles. 

 Suggérer d’entrée de jeu le principe d’un récit double. Enchâsser la narration dans un jeu de reflets réciproques entre JE narrateur -conteur et JE personnage... une façon de tracer un chemin dynamique, de mettre en alerte, de dialoguer en permanence , et presque de remonter à la source de l’écrivain conteur. 

 L’écriture et la musique. Les mots qui parlent et les mots qui sonnent

La langue de La Fontaine est aussi poésie, parole poétique, sons, syllabes, voyelles et consonnes, virgules.....cadences, rythmes.... travail de la langue, pointes de feu; tessiture et palette de couleur permettent au texte de résister à la passive exploration du sens de la fable.....sonorités codés; structures syllabiques et ponctuation créent un dédale une série de bifurcations comme pièges tendus au lecteur . La morale est plutôt simple et parfois même décevante, simplifiée, pour rassurer la Cour. Courtoise la morale, souvent abrupt et corrosif le récit. Là encore, fouiller dans les recoins des mots, dans leur pliures. retrouver les signes, les messages, les symboles; mettre le masque du “JE” aux animaux pour mettre en valeur l’Autre. Comme Brecht, La Fontaine utilise la ruse . Raconter une histoire étrangère à la morale cela revient à déjouer la censure. De même le déguisement, le rébus, un mot pour un autre, un objet affublé d’un masque. Le tour est joué, la vérité parle à l’insu du régime tout en empruntant le discours officiel (bien souvent dans la morale) 

 Transfert sur le monde animal, rendre étrange le quotidien, dérégler la routine (d’où l’aberration de réciter La Fontaine, comme un calibrage, c’est le faire apparaître comme un brave soldat qui répète sa leçon..), faire surgir l’insolite, rendre aux mots leur valeur d’émergence. 

 Ne pas enfermer La Fontaine dans un rôle d’éducateur, puisque lui nous renvoie à l’expérience.

 Transfert sur le monde animal, rendre étrange le quotidien, dérégler la routine (d’où l’aberration de réciter La Fontaine, comme un calibrage, c’est le faire apparaître comme un brave soldat qui répète sa leçon..), faire surgir l’insolite, aller aux masses. Rendre aux mots leur valeur d’émergence. 

 Pour aller un peu quand même dans la théorie et l’histoire du théâtre 

 héritage des mimes latins; retrouver la filiation avec les mimes et les jongleurs du moyen âge, frappés très tôt d’interdiction.... Hincmar, archevêque de Reims défend aux prêtres le plaisir coupable des histoires et des chants profanes. Saint-augustin: “l’homme qui introduit chez lui des histrions, des mimes et des danseurs, ne sait pas quelle multitude de démons abominables entrent avec eux. 

 Devant le jongleur qui récite, le public voit les héros du conte prendre vie.l’exécutant joue un rôle dramatique, il porte la parole des personnages . il anime sa lecture par des changements de tons, par des jeux de physionomie, par des gestes. il devient acteur. La forme la plus simple du mime littéraire est le monologue (très en vogue au xvè), puis vient le mime dialogué et enfin le théâtre régulier. Ces premiers acteurs ont été souvent comparés à des papillons qui en se jouant ont transporté de place en place des pollens fécondants; propagateurs d’idées, de moeurs, de modes, ils sont des agents actifs de liaison . 

 Dessiner la présence de la passante merveilleuse; personnage esquissé, inventé, colorié ;l’expérience intime. le silence, l’expérience intérieure, loin des autres, à la fois dans l’isolement et à la fois dans un lieu protégé. Dans un lieu de retraite où il n’y a plus de commerce avec le monde extérieur. La passante comme signe, ce qui “met en relation”.... le 3ème personnage (l’auteur-l’acteur-la passante) 

 La passante indéchiffrable, celle qui échappe à toute justification, à toute intention autre que de chercher les endroits où il y a encore de la conscience de la vie, de la couleur, la passante... 

 Passer.... elle est passé par ce chemin, ce sentier et y a laissé une trace, l’empreinte légère d’un soulier.... elle passe, elle ne fait que passer se devinant éphémère et silencieuse comme les blés...
la passante séjourne dans l’image qu’elle déplie, déploie, étend, transporte dans un ailleurs sauvage, ouvert aux vents. 

 S’enfoncer dans la forêt, comme dans un monde sans limite.... Suggérer cette impression au spectateur; mystère infini de la forêt, bruissante, frissonnante, animée de milles vies, forêt pourtant infiniment silencieuse et secrète 

 “ Dans la forêt je suis dans mon entier. Une distance touffue me sépare des morales et des villes” René Ménard -le livre des arbres 

 Une manière aussi de traduire l’élan du texte vers le silence et du silence vers le texte / mouvement de va et vient, comme la mer retourne inlassablement à la rive.....le silence retourne aux mots et les mots au silence 

SUD-OUEST Michel Débiard

 Anne SICCO ne tombe jamais dans le piège de l’illustration. Elle suggère simplement en transformant, avec des effets minimes, les comédiens en animaux, les animaux en humains. C’est ainsi que le renard devient homme d’affaire véreux, la cigogne infirmière ou le chêne banquier… et que le double sens des fables est immédiatement visualisé.

Anne SICCO a également eu l’extrême élégance de lier les fables entre elles par quelques textes d’une musicalité et d’une puissance évocatrice remarquables ainsi que des chorégraphies, danses et mimes, qui annoncent ou prolongent les fables en leur offrant une profonde respiration et en faisant au public le don merveilleux de l’imaginaire. Rien n’est imposé ; le spectateur est libre de chercher du sens ou de se laisser aller à la rêverie. Les gestes épurés et précis des artistes, leurs déplacements harmonieux se pliant à toutes nuances expressives sur des musiques choisies avec minutie l’invitent de toute évidence à l’apaisement. Une merveilleuse soirée dans un château qui semblait soudain avoir été construit pour servir d’écrin à ce moment oniriq

« Les pauvres sont tous les mêmes ou Des chevreuils à vive allure » (2005) 

de Marielle Pinsard 

Théâtre en camPoche Editions 

Mise en scène et dramaturgie scénique . Anne Sicco 

Composition des paysages sonores . Christophe Seval 

Scénographie. Lumières . François Klère.

avec: Aurélia Marceau, Olivier Copin, Christophe Seval 

Trois personnages financièrement très à l’aise ( qu’on imagine volontiers pour se donner bonne conscience faire des dons pour un lointain hôpital en Inde) causent ici sur un ton satisfait des «dérangeants» pauvres d’ici. L’air de rien, ils débitent des phrases assassines et cyniques, qui virent à la culpabilisation des pauvres et décrivent la mendicité comme un travail. 

MALAISE: Il faudrait commencer par les titres. 

Des titres qui en disent long sur les intentions de Marielle Pinsard. 

Par exemple Pyrrhus Hilton - Built your jeep - Nous ne tiendrons pas nos promesses, ce dernier titre apparaissant comme une douce provocation face une société qui n’arrête pas, justement, d’en faire avec un cynisme assumé. 

Ce sont tous des textes coups de poing, mais ayant lu un peu Brecht, elle sait que l’ironie est aussi le salut de l’esprit. 

«Mon théâtre est ouvert, ce n’est pas du théâtre sentencieux.» 

Part-pris: entre théâtre de l’absurde et théâtre panique. 

Placer l’acteur et le spectateur face à la vacuité et l’inanité des préjugés humains et des « conversations ». Inciter l’un et l’autre, dans le temps de la représentation, à s’interroger sur sa place au théâtre et dans la vie.Provoquer des haltes, véritables temps suspendus où les secondes pèsent comme remords. 

Faire tourner en rond les personnages, comme les aiguilles bien réglée d’une montre suisse. Horlogerie à la Kantor. 

Prendre les phrases qui semblent sorties telles quelles du quotidien, comme des brèves de comptoir: les faire sonner comme des citations singulières d’une parole commune dévoyée, comme les sentences dérisoires d’un rituel déboussolé, et qui régit pourtant encore nos modèles sociaux qui se veulent inébranlables, aussi inoxydable que l’or ou le platine. 

Comédienne, «performer», Marielle Pinsard écrit des pièces et les met en scène depuis dix ans. «Les pauvres sont tous les mêmes et autres pièces» en réunit quatre qui interrogent une certaine attitude face à la consommation et au plaisir. C’est facile de se donner bonne conscience en signant une pétition sur Internet, en un clic. C’est comme si cela permettait de s’absoudre de quelque responsabilité que ce soit.

Le lieu commun est à l’origine de cette pièce et en constitue le moteur, l’angle d’attaque pour raconter le monde d’aujourd’hui. Elle n’a pas peur d’épouser les points de vue les plus communs, ceux que la doxa impose et que nous sommes nombreux à reprendre à notre compte, intellingentzia et petite bourgeoisie confondues, masses médiocres face à la consommation. 

Son regard est sans illusion mais elle a l’élégance inquiète de ne pas nous plomber la vie (ni l’art). Comme Rodrigo Garcia, dont elle est à la fois proche et lointaine, elle n’esquive pas la dimension morale de l’acte théâtral et dresse un tableau éclaté des mœurs de notre société contemporaine.

« Burn out » 

d’ Alexandra Badea L’ARCHE est éditeur et agent théâtral du texte représenté 

Mise en scène et dramaturgie des corps . Anne Sicco 

 Avec, Olivier Copin, l’évaluateur . Aurélia Marceau, l’évaluée

Composition du paysage sonore . Christophe Seval

 Scénographie. Lumières. François Klère

Avec le soutien du Conseil Régional Midi-Pyrénées et du Conseil Général du Lot 

 dans le cadre de l’Aide à la Création Dramatique

Une jeune cadre dynamique, boulimique de productivité et de réussite, sombre peu à peu dans une spirale infernale, poussée par un évaluateur lui-même formaté par un système froid et avide de rendement.

L’Evaluée: «Je travaille plus et je mérite plus. De plus en plus ». 

 L’Evaluateur: Il ne faut pas avoir honte de vouloir une vie plus facile pour sa famille » 

Dans une ambiance de challenge guerrier, l’auteure construit des personnages formatés dans un environnement professionnel qui semble les avoir mis « sous vide », puis jetés dans la spirale vertigineuse de la croissance. Pas de jour . Pas de nuit. Le néon colonise la vie. Light up your life ! La vie des cerveaux s’ électrise. On rentabilise le temps. On rentabilise la vie. On copule chez soi avec son ordinateur et ses post it. Dans les bureaux, dans les étages, les vies s’ effacent avec une gomme. 

Alexandra Badea, née en 1980 en Roumanie, est auteure, metteur en scène, scénariste et scénographe. Installée à Paris, elle publie ses premières pièces et obtient en 2013 avec la pièce «Pulvérisés» parue à L’ Arche en 2012, le Grand Prix de Littérature Dramatique. 

Points de vue, Inspirations, rapprochements, études 

 extraits du cahier dramaturgique de Anne Sicco© Mes notes de travail, brouillons poétiques. extraits 

« Burn out » d’ Alexandra Badea : un texte inscrit dans l’ère numérique, un texte électrique que se partagent deux personnages . Les mots, comme les personnages, sont posés l’un à côté de l’autre. Il n’y a plus d’amour, plus d’échange, plus de dialectique; seulement une philosophie du séparatisme, qui vise à distinguer les bons des mauvais et dont on ne voit pas du tout où tout cela devrait s'arrêter. Une véritable chasse aux plus faibles parce qu'ils n'auraient pas fait ce qu'il fallait, parce qu'ils seraient paresseux, parce qu'ils ne voudraient pas travailler, parce qu’ils ne voudraient pas être les meilleurs. 

 Une polarité qui oppose et rassemble le comique et le tragique, la prolifération et la réduction, l’exubérance et la désagrégation des formes.

Un texte, comme un bloc notes, qui tout à la fois utilise et défie la rigidité du langage normatif pour devenir vecteur de déstabilisation par les impressionnants échafaudages précaires et aléatoires des mots- phrases -sons- signes construits par l’auteure.

Entreprise et compétitivité: une frénésie immobile

 Un texte comme un amas de fils rompus; carence d’intelligibilité sensible dans la bouche des personnages, où les phrases répétées, rabâchées témoignent d’une existence corsetée, où l’humain est inexorablement mis en forme selon les règles du jeu économique planétaire. Un monde du rendement et du mérite dont la consistance n’est pas plus épaisse qu’un billet de banque .Un espace sous tension, harcelé par le doute et la culpabilité. 

Des individus comme des échantillons humains. Opération d’ hybridation programmée . 

 Pas de séquence jour/nuit. Rien qu’un long jour artificiel en continuum. 

 Le néon colonise la nuit: « light up your life ! » . La vie des cerveaux s’électrise. 

 Pas de silence, pas de repos. Le temps social n’existe plus, enfermé dans la seule logique d’entreprise. On rentabilise la vie. On rentabilise le temps. Pas de vie privée. Pas de sexe. On copule chez soi avec son ordinateur et ses post it. La jouissance vient du travail et de l’excellence. Pas de féminin non plus. On contrôle les corps et on masculinise le monde et les adjectifs. Terreau de choix pour tous les fascismes

 Le culte de la performance: des techniques de persuasions qui impliquent à la fois la contrainte et le consentement. L’inoculation du virus libéral avec l’obligation de rendement/ d’excellence à tout crin, le dépassement de soi continuel, « produit » des êtres hybrides, mi humains mi-robots, pantins de chairs habillés « sur mesure », qui rabâchent formules et slogans publicitaires pour masquer la vacuité de leurs pensées et de leurs actes. Affolement.

Pensée/voix/regard et gestes artificiels se faufilent, s’insinuent, parasitent la figure humaine, la rayent, la perforent. Monde limité et interconnecté: vibrations, oscillations, fibrillations, courants de décharge .Accumulation, tourbillon, confusion, alternance, succession…success ! success!… 

 Pas de flottement, de balancement, d’indécision, d’hésitation, de perplexité, de tergiversation, de tâtonnement, de vacillation. Pression, poussée, entassements, renversements. Un flux de paroles/ ordres/consignes se décomposent dans le cerveau en milliers de détails et explosent en milliers de réseaux, de dédales, d’exposés, de relevés, de particularités, de groupes, de blocs, de heurts; mais la seringue du rendement et de l’efficacité aspire toutes ces particules, les injecte dans l’éprouvette de la publicité et du marketing; les voici concentrées en jingles magiques: « Il ne faut pas avoir honte de vouloir une vie plus facile pour sa famille » / « Je travaille plus et je mérite plus. De plus en plus ». 

Sauver son poste ou sa peau! 

 Des individus « conditionnés sous vide ». Asservissement consenti. 

 Le nouveau critère de triage serait donc devenu le travail et la capacité à travailler dur et à se lever tôt pour gagner la bataille économique. Dans cette ambiance de challenge guerrier, l’auteure construit des personnages formatés par le dictat du rendement et de la productivité dans un environnement professionnel qui semble les avoir mis « sous vide », puis jetés dans le vide vertigineux de la croissance sans limite.

Emballage sous vide. Méthode d'atmosphère contrôlée, pour préserver indéfiniment ses compétences son efficacité, garder ses propriétés de départ. Surtout ne pas altérer sa tonicité et sa fraîcheur, ne pas se dégrader, ne pas détériorer sa puissance de travail, de réactivité et de compétitivité. 

L’EVALUEE, connectée à l’entreprise 24h/24 .

Corps tenu de l’évaluée, en équilibre dans un présent cristallisé , dont on ne sait s'il fut, s’il est, ou s'il sera., formatée dès son plus jeune âge par des idéologies exaltant la supériorité de race et de classe.

Dépossédée de son libre arbitre, épinglée comme un post-it sur le panneau de l’évaluation continue des performances, l’évaluée, même humiliée, continue de tirer les fils de son aliénation .

 Corps démantelé de l’intérieur cherchant/fuyant une matière solide. Chute? Envol?…

Un langage et un vocabulaire appauvris, infectés par la publicité et le slogan d’entreprise; une dislocation du raisonnement, de la pensée critique, de la sensibilité.

L’évaluée: une sorte d’« Écho » moderne condamnée à ne formuler des phrases et des pensées qu’à partir des mots/ordres/consignes des autres, et qui continue, malgré sa dislocation finale, de proclamer sa toute-puissance .

Elle finit par étouffer sans résistance, sans bruit, sans écho….

L’EVALUATEUR, sauver sa peau

 C’est la manifestation d’un certain réflexe de survie dans une société , (et pas seulement dans une entreprise) qui a totalement éjecté l’homme. Pour « vouloir une vie plus facile pour sa famille », l’évaluateur a écarté tout ce qui pourrait entraver les moyens d’y parvenir grâce à son statut dans l’entreprise. Tout à son affaire pour sauver son poste et sa position, il a éjecté, radié, l’autre; il a apprivoisé sa culpabilité. Bien sûr il rechigne, mais soumis aux désirs de son président, il devient un monstre d’efficacité en matière de manipulation des résultats d’évaluations; il est donc promis à une promotion conséquente. Le résultat final? Le cynisme est sa dernière parade. 

L’emprise sur les corps et l’encodage des esprits: le rôle de la musique 

 Pour créer un sentiment d’appartenance à l’entreprise, il faut influencer le sujet dans une vitesse de traitement des encodages qui conduisent à l'auto censure. Ainsi, dans les stratégies de communication, la musique se montre indispensable à la création d’images mentales et à l’encodage des cerveaux, selon la tâche visée: phases d’encodage et phases de rappel.

 L’AU-DELA du TEXTE: 

 « Ivresse. Oubli. Elle voudrait s’enfuir dans la forêt et enfouir le monde dans du coton hydrophile.

 Silences-paysages chargés d'eau; des gestes comme des cristaux; frappe en noir et rouge; transparence des silences et des vides. 

 Vagues et ressacs des yeux qui ne sont pas vus mais qui déroulent leur vision vers le monde d'en-bas/les fissures/les abîmes.

Autour d’elle, les mots-oiseaux taillent comme des couteaux…. » AS

« L’heure blanche » de Claudine Galéa 

 éditions Espaces 34 Théâtre Jeunesse (www.editions-espaces34.fr) 

Mise en scène. Anne Sicco

 Interprète soliste. Aurélia Marceau

Claudine Galea Lauréate du Grand Prix de littérature dramatique 2011 pour son puissant texte «Au bord». Cette auteure troublante touche, avec cette délicate pièce «Heure Blanche», au mystère de la lumière blanche, mélange de toutes les couleurs.

Elle est auteure dramatique, romancière et critique littéraire et travaille régulièrement avec les chorégraphes de N+N Corsino. Membre du comité de rédaction de la revue Ubu, Scènes d’Europe, elle tient également une chronique littéraire au quotidien La Marseillaise.

Extrait

 «BLANCHE: C’est l’heure blanche dont tout le monde a peur. C’est l’heure où j’oublie tout, où je n’ai plus mal, c’est l’heure du bonheur. Le bonheur est blanc. 

 Un jour toute ma peau sera blanche, et seront blancs aussi mes yeux et mes cheveux blonds. Et ma langue, et la langue rose de Bianca. Le blanc me pousse dedans.

Quand je serai toute blanche, je disparaîtrai. 

 Comme mon papa.

Il photographiait les ours, blancs. Neige, congères, lacs gelés. Il me montrait ses images. Il me disait, regarde Blanche, celle-là je l’ai solarisée.» 

l’écriture lumineuse de claudine galea

 • textes pour l’enfance •

 

par Anne Sicco ©

Le premier texte pour l’enfance de Claudine Galea que j’ai lu, c’est « L’Heure Blanche » : un texte rare, à hauteur d’enfance, puissant, subtil, et infiniment dépouillé ; l’esquisse d’un vol éphémère dans l’azur, le tremblement délicat de l’air, la question sans réponse, la chaleur animale et sensuelle du vivant. 

Toutes ses petites pièces et nouvelles pour la jeunesse sont des pièces initiatiques, des odyssées, des allégories, des fables, qui se construisent avec l’alphabet de la nature au cœur du grand cycle des fins et des commencements ; histoires qui se tiennent toutes en équilibre sur la crête du réel mais glissent dans un ailleurs peuplé de silhouettes éphémères, d’objets en mutation, de mythologies minuscules. L’enfant y est toujours informé et toujours sincère.Écriture solaire du désir, du passage et de la transmission.

Claudine Galea a le souci de l’autre. Ses livres sont autant de digues pour contenir précieusement l’imagination et l’intelligence de l’enfant poète, de l’enfant debout. Même au cœur de l’obscurité et de l’encre, elle est peintre de la clarté et du mouvement. Les contrastes, les opposés ne sont jamais brutaux. La lumière habitant l’espace de la page révèle la matière même de la vie. Tout s’assouplit, s’aère, respire et se remplit. Tout est vaste. Tout parle et se tait et bouge et murmure et dialogue. 

Étendue passionnante et presque sans limite de la page où s’écrivent puis s’effacent les traces des innombrables passages des enfants, qui chevauchent les juments sauvages ou bien s’attardent au fond des océans et cherchent des cachettes dans les coquilles vides. Sensation troublante ; sensation physique, tactile et presque olfactive des images suscitées ; Espace vertigineux de l’enfance qui questionne le monde.

 Aurélia Marceau est la figure de proue charnelle sous le beaupré de l’écriture mouvementée chargée d’écume, d’ondes complices de Claudine Galéa; elle est la mère-enfant chargée de peines et d’émerveillement ’effondrement des sabliers

 . Elle a la blancheur voix L’effondrement des sabliers

Claudine Galea écrit des romans, du théâtre, des récits, pour les adultes et la jeunesse. 

 Prix Radio SACD pour l'ensemble de son travail radiophonique en 2009.

En 2011, elle remporte le grand prix de littérature dramatique avec son texte « Au Bord ». 

 Jean-Michel Rabeux en fait la création avec Claude Degliame à la MC93 de Bobigny du 31 mars au 15 avril 2014

Parmi ses derniers textes, tous édités chez Espaces 34 : Les Invisibles a été lu à La Mousson d'été sous la direction de Michel Didym et diffusé sur France-Culture. Il a reçu l'aide à la création en juin 2013. 

 Au Bois, nouveau texte pour les adultes est publié en mars 2014. 

 Que seul un chien, monologue, est en cours de création par pour 2015.

Pour la jeunesse : Après grand c'est comment ? a été créé par Muriel Coadou de Collectif 7 en 2013 et est actuellement en tournée. Il sera également mis en scène par Marion Chobert avec Vincent Regnard fin 2014 à Dijon.

Toutes leurs robes noires a fait l'objet d'une création par Patrick Séraudie à Toulouse fin 2013.

"Je suis d'origine maltaise, mon père est venu d'Algérie quelques années avant ma naissance et j'ai grandi à Marseille. Je vis à Paris, mais ce sont toujours la lumière du sud et la présence de la mer qui me portent.

Je n'aime pas beaucoup les catégories qui enferment et scindent. C'est sans doute pour ces raisons que j'ai toujours exploré différents territoires, seule ou accompagnée, avec des artistes d'autres horizons.

Genre :
Je n’écris pas des romans ou des pièces de théâtre, je n'écris pas pour les enfants ou pour les adultes, j’écris des livres. Écrire est un même geste qui s'engage et m'engage dans des espaces et des mises en forme multiples. Les espaces de narration obéissent à des forces, des lois physiques différentes. Le travail d’écrire consiste à trouver l’équilibre des forces, leur organisation, les rapports entre elles. La question du genre littéraire en recouvre une autre bien plus intéressante : y a-t-il un genre, qu'en faisons-nous ?

 Lecture
: J’aime l'endroit de la lecture, qu’elle soit minimale (un texte, un micro, une chaise et une table) ou qu’elle dessine dans l’espace les lignes de la composition, de l’architecture de l’écriture. J’aime faire des lectures, seule ou avec d’autres personnes. La matérialité de la lecture publique dit du texte ce qu’aucune interprétation, que ce soit celle du lecteur, seul avec le livre, ou celle de l’acteur, ne permettra d’appréhender.
Elle permet de retrouver cette force en action, cette loi physique qui a donné naissance à l’écriture et qui n’a cessé d’irriguer le travail, de le soutenir. La basse continue du texte. Sous le raffinement du style et de la composition, elle restitue la part sauvage, impure, non policée, non rationnelle, une forme de souffle, et ici le mot inspiration, complètement galvaudé, pourrait reprendre sens, son sens sportif. La lecture restitue le lien physique, jamais démenti, de l’écrivain au livre. Dans la lecture, l’écrivain est le corps de son livre.
Il y a, dans le temps de lire en public, la même présence au livre que quand on l’écrit. Un caractère absolu et en même temps complètement relatif."

Pièces /Jeunesse : La Nuit MêmePasPeur & Petite Poucet en 2009.

 L’heure blanche & Toutes leurs robes noires en 2009.

Après grand, c'est comment ? en 2013.